Niki de Saint Phalle | ||
|---|---|---|
 | ||
| Geboren | Catherine-Marie-Agnes Fal de Saint Phalle 29. Oktober 1930 | |
| Gestorben | 21. Mai 2002 (71 Jahre alt) | |
| Nationalität | Französisch, Amerikaner, (Schweizer) [19659010] Ausbildung | Autodidakt in der Kunst [1] |
| Bekannt für | Skulptur, Malerei, Filmemachen | |
| Bemerkenswerte Arbeit | [19456521] Nanas Tarot Garden | |
| Stil | Jugendstil, Feministische Kunst | |
| Ehegatte (n) | Harry Mathews (1949–1961, geschieden) (1971–1991, gestorben) | |
| Auszeichnungen | Prix Caran d'Ache (1994) Praemium Imperiale (2000) | |
| Patron (s) | Agnelli-Familie | |
| Website | nikidesaintphalle | |
Niki de Saint Phalle (geboren Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle 29. Oktober 1930 - 21. Mai 2002) war ein französisch-amerikanischer Bildhauer, Maler und Filmemacher. Sie war eine der wenigen Künstlerinnen, die weithin bekannt war für monumentale Skulpturen, [5] aber auch für ihre Verpflichtungen. [6]
Sie hatte eine schwierige und traumatische Kindheit und Ausbildung, über die sie Jahrzehnte später schrieb. Nach einer frühen Ehe und zwei Kindern begann sie, Kunst in einem naiven, experimentellen Stil zu schaffen. Weltweite Aufmerksamkeit erhielt sie zum ersten Mal für wütende, gewalttätige Assemblagen, die mit Schusswaffen erschossen worden waren. Diese entwickelten sich zu Nanas unbeschwerten, skurrilen, farbenfrohen, großformatigen Skulpturen von Tieren, Monstern und weiblichen Figuren. Ihr umfangreichstes Werk war der Tarot-Garten ein großer Skulpturengarten mit zahlreichen Werken, die bis zu hausgroßen Kreationen reichen. Ihr idiosynkratischer Stil wurde als "Außenseiterkunst" bezeichnet. Sie hatte keine formale Ausbildung in Kunst, [1] sondern verband sich frei mit vielen anderen zeitgenössischen Künstlern, Schriftstellern und Komponisten. [7]
Während ihrer kreativen Karriere arbeitete sie mit anderen bekannten Künstlern wie Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Larry zusammen Flüsse, der Komponist John Cage und der Architekt Mario Botta sowie Dutzende von weniger bekannten Künstlern und Kunsthandwerkern. Sie arbeitete mehrere Jahrzehnte besonders eng mit dem Schweizer Kinetiker Jean Tinguely zusammen, der auch ihr zweiter Ehemann wurde. In ihren späteren Jahren litt sie unter mehrfachen chronischen Gesundheitsproblemen, die auf wiederholte Exposition mit Glasfasern und petrochemischen Dämpfen zurückzuführen waren, aus experimentellen Materialien, die sie in ihren wegweisenden Kunstwerken verwendet hatte, aber sie entwickelte sich bis zu ihrem Lebensende fortwährend.
Eine Kritikerin hat festgestellt, dass Saint Phalles "Beharrlichkeit auf Überschwang, Emotion und Sinnlichkeit, ihr Streben nach der Figuration und ihr kühner Einsatz von Farbe sie in einem minimalistischen Zeitalter nicht allen beliebt gemacht hat". [8] Sie war bekannt Europa, [8] aber ihre Arbeit war bis zu ihren letzten Jahren in San Diego in den USA kaum zu sehen. Ein anderer Kritiker sagte: "Die in Frankreich geborene, in Amerika geborene Künstlerin ist eine der bedeutendsten weiblichen und feministischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts und eine der wenigen, die zu Lebzeiten in der von Männern dominierten Kunstwelt Anerkennung gefunden hat". 19659037] Frühes Leben und Ausbildung (1930–1948) [ edit ]
Marie-Agnès de Saint Phalle wurde am 29. Oktober 1930 in Neuilly-sur-Seine in Hauts-de geboren -Eine in der Nähe von Paris [10][11] Ihr Vater war Graf André-Marie Fal de Saint-Phalle (1906–1967), ein französischer Bankier, und ihre Mutter war eine Amerikanerin mit dem Namen Jeanne Jacqueline Harper (1908–1980). [12][13][Note 1] Marie-Agnès war das zweite von fünf Kindern, und ihr doppelter erster Cousin war die französische Schriftstellerin Thérèse de Saint Phalle (Baronin Jehan de Drouas). Zitat erforderlich
Ihre Geburt war ein Jahr nach dem schwarzen Dienstag, und die französische Wirtschaft litt auch unter dem berüchtigten Börsencrash, der den Great D auslöste epression. [14] Innerhalb weniger Monate nach ihrer Geburt wurde die Finanzgesellschaft ihres Vaters geschlossen, und ihre Eltern zogen mit ihrem ältesten Bruder in die Vororte von New York City; Sie war bei ihren Großeltern mütterlicherseits in Nièvre in der Nähe des geographischen Zentrums Frankreichs. [14] Um 1933 kehrte sie zu ihren Eltern in Greenwich, Connecticut, zurück. Ihr Vater hatte Arbeit als Manager der amerikanischen Filiale der Bank Saint Phalle gefunden. [7] 1937 zog die Familie in die East 88th Street im wohlhabenden Viertel Upper East Side von New York City. [8][11] Marie-Agnès war als "Niki" bekannt, den Namen, den sie fortan benutzte. [11]
Niki wuchs in einer strengen katholischen Umgebung auf, gegen die sie wiederholt aufstand. [15] Her Mutter war temperamentvoll und gewalttätig, schlug die jüngeren Kinder und zwang sie zu essen, auch wenn sie keinen Hunger hatten. [14] Beide ihrer jüngeren Geschwister, Elizabeth und Richard de Saint Phalle, begingen später als Erwachsene Selbstmord. [14] The die Atmosphäre zu Hause war angespannt; Der einzige Ort, an dem sich Niki wohl und warm fühlte, befand sich in der Küche und wurde von einem schwarzen Koch beaufsichtigt. [16]: 74 Jahrzehnte später verriet Niki, dass sie jahrelang sexuellen Missbrauch von ihrem Vater erlitten hatte im Alter von 11 Jahren. [15][17][8][16]: 74
Sie kehrte häufig nach Frankreich zurück, um Verwandte zu besuchen, [10] die sowohl Französisch als auch Amerikanisch fließend beherrschten. [8] Sie besuchte die Schule am Kloster des Heiligen Herzens in der East 91st Street in Manhattan. Nachdem sie 1941 ausgewiesen worden war, kehrte sie zu ihren Großeltern mütterlicherseits zurück, die nach Princeton, New Jersey, gezogen waren, und besuchte dort kurz die öffentliche Schule. [11]
Sie kehrte in die Upper East Side zurück und studierte dort von 1942 bis 1944 an der Brearley School, [15] wurde aber entlassen, weil er die Feigenblätter auf der klassischen Statuen der Schule in rot gemalt hatte. [18][14][11][19] Trotzdem sagte sie später, sie wäre dort “[that] Ich wurde eine Feministin Sie haben uns eingeschärft, dass Frauen Großes leisten können und müssen. "[15] Sie war dann in einer Klosterschule in Suffern, New York, [14] eingeschrieben, wurde jedoch vertrieben. [20] Sie schloss schließlich die Oldfields School in Glencoe ab , Maryland im Jahr 1947. [11]
In ihren späten Teenagerjahren wurde Saint Phalle ein Modemodell; Im Alter von 18 Jahren erschien sie auf dem Cover von Life (26. September 1949) [21] und drei Jahre später auf dem November 1952-Cover von French Vogue [21] Sie erschien auch in den Seiten von Elle und Harper's Bazaar .
Erste Ehe und Kinder (1949–1960) [ edit ]
Im Alter von 18 Jahren heiratete Saint Phalle Harry Mathews, den sie durch ihren Vater zum ersten Mal im Alter von 11 Jahren (er war 12) getroffen hatte. [14][15][16]: 91 Sechs Jahre später trafen sie sich zufällig in einem Zug nach Princeton und wurden bald zu einem Paar. [16]: 91 Zunächst hatten sie am 6. Juni 1949 eine standesamtliche Zeremonie New York City Hall. [16]: 91 Auf Drängen von Nikis Mutter hatten sie im folgenden Februar auch einen religiösen Ritus in der französischen Kirche von New York. [11][16]: 91
Obwohl ihre Eltern die Gewerkschaft akzeptierten, lehnte die Familie ihres Mannes ihren katholischen Hintergrund ab und schnitt sie finanziell ab, sodass sie gelegentlich zur Schule gingen [14] Sie zogen nach Cambridge, Massachusetts, damit Mathews an der Harvard University Musik studieren konnte. [14][11] Saint Phalle begann, in Öl und Gouachen zu malen, strebte jedoch eine Karriere in der Schauspielerei an. [22][11] Ihr erstes Kind, Laura, wurde im April 1951 geboren. 1952 zog die kleine Familie nach Paris, wo Harry sein Dirigierstudium an der École Normale de Musique an der Pariser Normalschule für Musik fortsetzte. [11] Die neuen Eltern waren beiläufig, wenn auch nachlässig ihre Sorge, [16]: 93 [14] aber ihre Kinder würden von besseren finanziellen Umständen profitieren, nachdem Mathews eine Erbschaft erhalten hatte. [13]
Saint Phalle lehnte die gesicherten konservativen Werte ab ihre Familie, die inländische Positionen für Ehefrauen und besondere strikte Verhaltensregeln vorschrieb. [15] Der Dichter John Ashbery erinnerte daran, dass die künstlerischen Aktivitäten von Saint Phalle abwechselnd von Verwandten abgelehnt wurden: ihr Onkel "der französische Bankier Graf Alexandre de Saint-Phalle, ... berichtet Sie betrachtet ihre künstlerischen Aktivitäten nur schlecht ", bemerkte Ashbery. [Note 2] Nachdem sie jedoch jung verheiratet und Mutter geworden war, lebte sie in derselben bürgerlichen Lebensweise, der sie zu entkommen versucht hatte. [7] Ein Jahrzehnt lang wanderte die Familie in Frankreich und Europa herum und lebte einen böhmischen Lebensstil. In Nizza hatten Saint Phalle und Mathews 1953 getrennte Angelegenheiten. Nachdem sie die Geliebte ihres Mannes angegriffen hatte, nahm sie eine Überdosis Schlaftabletten, die jedoch wenig Wirkung hatten, da sie zu dieser Zeit manisch war. [14] Als Harry unter einer Matratze einen Vorrat an Messern, Rasierern und Scheren entdeckte, nahm er seinen Frau in eine Nervenklinik in Nizza, wo sie mit Elektroschock-Therapie und Insulin-Schock behandelt wurde. [15][14] Von der Routine im Haushalt befreit, konzentrierte sie sich auf die Schaffung von Kunstwerken und verbesserte sich so, dass sie in sechs Wochen entlassen werden konnte Zu dieser Zeit gab ihr Mann sein Musikstudium auf und begann, seinen ersten Roman zu schreiben, und wechselte schließlich zu einer schriftlichen Laufbahn. [11] Als 1954 in Paris ein Modeling-Auftrag entstand, wurde Saint Phalle eingeführt an den amerikanisch-französischen Maler Hugh Weiss der sowohl Freund als auch künstlerischer Mentor wurde. Er ermutigte sie, weiter in ihrem autodidaktischen Stil zu malen. [11] [7] Im September 1954 zog die kleine Familie nach Deià, Mallorca, wo sich die Familie befand Ihr Sohn Philip wurde im Mai 1955 geboren. [16]: 93 [14][11] Während ihres Aufenthalts in Spanien las Saint Phalle die Werke von Proust und besuchte Madrid und Barcelona, wo sie von den Arbeiten des Architekten Antoni Gaudí tief getroffen wurde. [23] Gaudís Einfluss eröffnete Saint Phalle viele bisher ungeahnte Möglichkeiten, insbesondere die Verwendung ungewöhnlicher Materialien und objects-trouvés als strukturelle Elemente in Skulptur und Architektur. Saint Phalle war besonders beeindruckt von Gaudís "Park Güell", der sie dazu inspirieren würde, eines Tages ein eigenes Kunstwerk im Garten zu schaffen, das künstlerische und natürliche Elemente kombiniert. Saint Phalle malt weiter, besonders nachdem sie und ihre Familie Mitte der fünfziger Jahre nach Paris gezogen sind. Ihre erste Kunstausstellung fand 1956 in der Schweiz statt, wo sie ihren naiven Stil der Ölmalerei zeigte. [11] 1956 lernte sie den Schweizer Künstler Jean Tinguely und seine Frau, die Künstlerin Eva Aeppli, kennen . Saint Phalle versuchte ihre erste großformatige Skulptur und bat Tinguely, eine eiserne Armatur herzustellen, die sie mit Gips und Farbe deckte. [19459128[11] In den späten 1950er Jahren wurde Saint Phalle an Hyperthyreose erkrankt Tachykardie, die schließlich durch eine Operation im Jahr 1958 behandelt wurde. 19459129 [24] 1959 traf Saint Phalle erstmals auf mehrere Kunstwerke von Yves Klein, Marcel Duchamp, Daniel Spoerri, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg und Jasper Johns. Der Anblick dieser avantgardistischen Werke löste ihre "erste große künstlerische Krise" aus. [16]: 42 Sie wechselte von Ölmalerei zu Gouachen und Glanzlacken und begann, Assemblagen aus Haushaltsgegenständen und Kastellen herzustellen. [16] ]: 42 Zu dieser Zeit hatte sie beschlossen, sich voll der Kunst zu widmen, frei von den Verpflichtungen des Familienlebens. [16]: 75–76 [19659034] 1960 trennten sich sie und Harry nach Vereinbarung, und ihr Mann zog mit ihren beiden Kindern in eine andere Wohnung. [16]: 93 [14][11] Zu dieser Zeit war ihre Tochter Laura neun Jahre alt und ihr Sohn Philip war neun Jahre alt fünf Jahre alt. [16]: 75 Mathews kaufte gelegentlich Kunstwerke von seiner Frau, um ihre bescheidene Unterstützung zu leisten, und sie besuchte ihn und die Kinder regelmäßig. [16]: 93 Sie zog bald bei Jean Tinguely ein, der sich damals von seiner Frau Eva Ae getrennt hatte [16]: 95 [25] Bekannt wurde er durch seine kinetischen Skulpturen aus Abwurfmechanismen und Müll. In vielerlei Hinsicht waren die beiden Gegenspieler und hatten manchmal heftige Meinungsverschiedenheiten und häufige Angelegenheiten mit anderen. [16]: 95–98 [8] Sie lebten intermittierend zusammen und arbeiteten über ein Jahrzehnt zuvor in künstlerischen Projekten zusammen heiratete 1971. [14][5][26] Zwei Jahre später trennten sie sich, blieben jedoch in gutem Zustand und arbeiteten bei verschiedenen Projekten bis zu Tinguelys Tod im Jahr 1991 zusammen. [5] [18] [13] 1960 stellte Tinguely sie Pontus Hultén vor, dem damaligen Direktor des Moderna Museet (Modernes Museum) in Stockholm, Schweden. In den nächsten Jahren lud er sie ein, an wichtigen Ausstellungen teilzunehmen und ihre Kunstwerke für das Museum zu erwerben. [11] Später wurde er der erste Direktor des Centre Georges Pompidou in Paris (1974–1981), wo er fortfuhr Einfluss auf die weitere Anerkennung des Werks von Saint Phalle. Saint Phalle schuf in den frühen 1960er Jahren eine Reihe von Arbeiten, die sie Tirs ( Shootings ) nannte Schüsse ). Die Serie begann als "Zielbilder", mit gemalten Bullseye-Zielen, die prominent in ihren gemalten Collagen gezeigt wurden, wie Saint Sébastien (Porträt meines Geliebten / Porträt meines Geliebten / Martyr necessaire) (19659127) ] oder Assemblage (Figur mit Dartboardkopf) (1962). [27] Sie lud Zuschauer ein, Darts auf die Dartboards zu werfen, die als Gesichter in ihren figürlichen Assemblagen eingebettet sind, die von den Zielen beeinflusst wurden, die von ihrer Freundin gemalt wurden Jasper Johns. [28] Bald begann sie mit dem Einbetten von Messern, Rasierklingen, Scheren, Schneebesen, Puppenarmen und anderen Haushaltsgegenständen in Gips, die ein großes Brett bedeckten, zusammen mit Taschen gefüllt mit bunten Farben, Sprühdosen und manchmal Tomaten. [14] Außerdem könnte sie Farbbeutel oder Sprühdosen vor der weiß lackierten Assemblage aufhängen. Sie schoß die Assemblage dann wiederholt mit einer Pistole, einem Gewehr oder einer Minikanone ab, wodurch die Flüssigkeiten "bluten" oder herausspritzen. [25][14][16]: 44 Ihre erste öffentliche Schießveranstaltung fand im Februar 1961 statt ua Jean Tinguely, Daniel Spoerri und Pierre Restany. [28] Als Gründer der Nouveau réalisme ("New Realist") forderte Restany Saint Phalle auf, sich dieser Gruppe französischer Künstler anzuschließen als sie ihre Leistung sah; Sie war das einzige weibliche Mitglied dieser Gruppe. [28] [14] Diese extremen Gewaltausdrücke erregten die Aufmerksamkeit der Medien und katapultierten Saint Phalle in die Avantgarde künstlerische Rebellion. [1] Die Tirs kombinierten Performance, Körperkunst, Skulptur und Malerei im künstlerischen Ferment der 1960er Jahre. [4] Saint Phalle begann Variationen dieses Prozesses in Kunstmuseen und Galerien zu inszenieren und rekrutierte andere Künstler, um an öffentlichen "Happenings" teilzunehmen, bei denen auch einige ihrer Kollegen den Abzug drückten. Sie lernte durch diese Aufführungen viele andere aufstrebende Künstler kennen, darunter Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stella und Edward Kienholz. [28] Sie lud auch Galeriebesucher ein, auf ihre Assemblagen zu schießen. [11] [1945902034] Sie beteiligte sich an Spoerris "Edition MAT" ( Multiplication d'Art Transformable ) mit mehreren Artwork-Editionen und lieferte einfachere Versionen ihrer Tir -Projekte mit detaillierten Anweisungen zum Schießen mit einem 22-Gewehr. [28] Saint Phalle dokumentierte ihren künstlerischen Prozess in den Tirs sorgfältig mit Schreiben, Standbildern und Filmen. [28] Sie würde gewöhnliche Readymade-Artefakte an eine Tafel anbringen und Taschen mit anbringen bunte Farbe, alles weißwaschen und dann die Assemblage in das milchweiße Pflaster tauchen. [28] Nach dem Trocknen war die Sammlung bereit für die Aufnahme durch einen Käufer. Im Juni 1961 traten Niki de Saint Phalle und Jean Tinguely zu Jasper Johns und Robert Rauschenberg bei einem Konzert-Event namens Variations II unter der Leitung des amerikanischen Avantgarde-Komponisten John Cage bei Botschaft in Paris. Während David Tudor Cage-Kompositionen auf dem Klavier spielte, schufen die Künstler ihre Kunstwerke auf der Bühne, während das Publikum die Vorgänge verfolgte. [28] [11] Im August 1961 Marcel Duchamp stellte Saint Phalle und Tinguely Salvador Dalí vor, der sie einlud, einen lebensgroßen, explodierenden Bullen mit Feuerwerk zu schaffen ( Toro de Fuego ). Diese Homenage a Dalí ( Homage to Dalí ) wurde nach dem Ende eines traditionellen spanischen Stierkampfs in Figueras, Katalonien, Spanien, ausgerollt und explodierte vor dem Publikum. [19659144]: 27 [25] [18] [11] Eine exklusive Schießerei von 1962 In den Malibu Hills oberhalb von Los Angeles nahmen prominente Persönlichkeiten aus Hollywood, darunter Jane Fonda und John Houseman, teil. [29] Bei den meisten dieser öffentlichen Aufführungen war Saint Phalle tadellos in einen modischen weißen Hosenanzug gekleidet. [16]: 45 Bis 1963 hatte sie die Serie in Galerien in New York City und Los Angeles mitgenommen und die Öffentlichkeit zur Teilnahme an den Schießereien eingeladen. In Los Angeles schoss sie eine großformatige King Kong Montage, die sie gebaut hatte, und bespritzte die eingebetteten skulptierten Gesichter von Politikern wie John F. Kennedy, Fidel Castro und Charles De Gaulle mit dem Weihnachtsmann und Auch Donald Duck. [29] Dieses Werk wurde später vom Moderna Museet in Stockholm [21] erworben und würde ihren Übergang zu einer neuen Serie fantastischer Monster, Tiere und Frauenfiguren bedeuten. [11][16]: 47 Im Laufe ihrer Karriere wurden Schlangen, Vögel und Drachen zu wiederkehrenden Symbolen in ihren Kunstwerken. [9] 1963 kauften Saint Phalle und Tinguely ein altes Hotel mit dem Namen . Auberge au Cheval Blanc ("White Horse Inn"), in Soisy-sur-Ecole. [8][11] Früher war es ein Bordell gewesen, [8] aber die neuen Besitzer bauten es in Fotostudios um, die sie gemeinsam nutzen würden Jahrzehnte später. Als nächstes untersuchte Saint Phalle die verschiedenen Rollen der Frau in Bezug auf die Entwicklung ihrer bekanntesten und produktivsten Skulpturenserie. [1] Sie fing an, lebensgroße Puppen von Frauen herzustellen, wie z. B. gebärende Bräute und Mütter, Monster und Mädchen große Köpfe. Anfänglich bestanden sie aus weichen Materialien wie Wolle, Stoff und Pappmaché, aber sie entwickelten sich bald zu Gips über Drahtrahmen und Plastikspielzeug, einige davon ganz in Weiß lackiert. [11] [1945920] ] [4] Als sich die Serie zu größeren monumentalen Arbeiten entwickelte, verwendete Saint Phalle glasfaserverstärkten Verbundkunststoff (auch bekannt als GFK oder GFK), der mit mehreren bunten Acryl- oder Polyesterfarben dekoriert war. Sie verwendete auch Polyurethanschaum in vielen ihrer Skulpturen. [30] Diese innovativen Materialien ermöglichten den Bau farbenfroher, großformatiger Skulpturen mit neuer Leichtigkeit und fließender Form. Die Herstellungs- und Lackierprozesse können jedoch eine große Anzahl von Glasfasern und Chemikalien wie Styrol, Epoxid und Lösungsmitteldämpfe freisetzen, die bei unsachgemäßer Anwendung zu Gesundheitsproblemen führen können. [31][16]: 57 1963 kreierte sie eine Serie von Skulpturen, die gegen stereotype gesellschaftliche Rollen von Frauen protestierten, als Kinderträger, Mütter, Hexen und Prostituierte verschlungen. [11] Einige ihrer frühen Kunstwerke aus dieser Zeit der Braut wurden dargestellt Geisterhafte, weiß gekleidete Skelettbräute, [32] die mit Miss Havisham verglichen wurden, einem ätherischen Charakter in Charles Dickens 'Roman Great Expectations [33] im Laufe der Zeit Diese Figuren wurden fröhlicher, skurriler, farbenfroher und größer. Inspiriert von einer kollaborativen Zeichnung des amerikanischen Künstlers Larry Rivers, seiner schwangeren Freundin Clarice Price, begann Saint Phalle, archetypische Frauenfiguren mit einem optimistischeren Blick auf die Stellung der Frau in der Gesellschaft zu porträtieren. [34][19][14] Die neueren Figuren wurden begeistert Tanzpositionen und sogar akrobatische Positionen wie Handstände und Wagenräder. Saint Phalle's unbeschwerte Figuren wurden mit den freudigen Tänzern von Matisse und den robusten weiblichen Figuren von Gaston Lachaise, Aristide Maillol und Rodin verglichen. [15] 1964 nannte sie sie künstlerisch Ausdrücke der sprichwörtlichen Everywoman Nanas nach einem französischen Slangwort, das ungefähr "breit", [19] oder "Küken" entspricht. [1][23] Die erste dieser frei positionierten Formen - aus Papier -Maché, Garn und Stoff - wurden im September 1965 in der Galerie Alexander Iolas in Paris ausgestellt. Für diese Ausstellung veröffentlichte Iolas das erste Künstlerbuch von Saint Phalle, das ihren handgeschriebenen Text in Kombination mit ihren Zeichnungen von Bananas enthielt. . Während dieser Show nahm sie an einer Art Tombola-Tombola teil, die vom Artist's Club in New York organisiert wurde, wobei Kunstwerke zufällig in münzbetätigten Gepäckschließfächern in der Pennsylvania Station zurückgelassen wurden und die Schlüssel für jeweils 10 US-Dollar angeboten wurden. [35] Von Iolas ermutigt, Sie begann eine sehr produktive Ausgabe von Grafikarbeiten, die Ausstellungen begleiteten, darunter Siebdrucke, Poster, Bücher und Schriften. [19459208[11] 1966 arbeitete Saint Phalle mit Jean Tinguely und Per Olof zusammen Ultvedt über eine temporäre Innenskulpturinstallation, Hon - en katedral (was auf Schwedisch "She-a-Cathedral" bedeutet) und füllte reichlich Platz im Moderna Museet in Stockholm, Schweden. Während des Baus rekrutierte Saint Phalle den Schweizer Kunststudenten Rico Weber der im Museumsrestaurant [36] als Spülmaschine gearbeitet hatte (in den folgenden Jahren wurde er ein wichtiger Assistent und Mitarbeiter für beide Saint Phalle.) und Tinguely). [36] Ein Team von 8 Personen arbeitete 40 Tage lang anstrengend. Zuerst baute man einen Rahmen aus Metallstäben, bedeckte ihn mit Hühnerdraht, hüllte ihn mit Stoff ein, der mit stinkendem Tierkleber befestigt war, und malte das Innere des Gehäuses Schwarz, einschließlich der Außenseite in hellen Farben. [36] Die endgültige Struktur war 82 Fuß (25 m) lang und 30 Fuß (9,1 m) breit und wog rund 6 Tonnen (6.000 kg). Die äußere Form war eine riesige, liegende Skulptur einer schwangeren Frau (a Nana ), deren innere Körperhöhle durch eine türgroße Vaginalöffnung zwischen ihren Beinen betreten werden konnte. [37] Geschrieben am Hon '' s massive Oberschenkel war das Motto Honi soit qui mal y pense ("Schamlos [he] wer das Böse denkt"). [16]: 59 In der massiven Skulptur befanden sich ein 12-sitziges Kino, eine Milchbar in einer Brust, ein Fischteich und ein von Tinguely gebautes Gehirn mit beweglichen mechanischen Teilen. [14][18] Außerdem die weitläufige Nana enthielt ein Münztelefon, ein Sofa mit Liebessitz, ein Museum für falsche Gemälde, einen Sandwich-Automaten, eine Kunstinstallation von Ultvedt und eine Rutsche für Kinder für Kinder. [36] After ein anfängliches schockiertes Schweigen löste die Installation in Zeitschriften und Zeitungen auf der ganzen Welt umfangreiche öffentliche Kommentare aus und sensibilisierte sie für The Moderna Museet. [36] Über 100.000 Besucher drängten sich, um die eintauchende Umgebung zu erleben, darunter viele Kinder. [16]: 26,59 [36] Am Ende von 3 Monaten wurde die gesamte temporäre Einrichtung abgerissen und entfernt mit Ausnahme des Kopfes, der vom Museum in seiner ständigen Sammlung aufbewahrt wurde. [36] Einige kleine Fragmente wurden an limitierte Ausstellungskataloge angehängt und als Andenken verkauft. [36] Around the Zu dieser Zeit entwarf Saint Phalle auch Bühnenbilder und Kostüme für Theaterproduktionen: Éloge de La Folie ( Praise of the Madness 1966), ein Ballett von Roland Petit; eine Adaption des Aristophanes-Spiels Lysistrata (1966); und ein deutschsprachiges Theaterstück, das sie zusammen mit Rainer von Diez mit dem Titel ICH (All About Me) (1968) [38][35][11] [38][35][11] ] geschrieben hatte von diesen Produktionen. [16]: 59 1967 begann Saint Phalle mit Polyesterharz zu arbeiten, [37] ein Material, das sich leicht formen lässt, aber zu einem harten, glatten wird wetterfeste Oberfläche. Diese neue Technologie ermöglichte es ihr, große, fantastische Figuren für die Außengestaltung in öffentlichen Räumen und Parks zu konstruieren. [16]: 57 Das Material ist im Freien ziemlich haltbar (ähnliche Materialien werden für Boote und Fahrzeugkarosserien verwendet) Eine jahrzehntelange Witterungseinwirkung würde letztendlich zu einer Verschlechterung führen, was Kunsterhaltungsmaßnahmen erforderlich machte. [39] 1967 zeigte sie Le Paradis Fantastique Das fantastische Paradies ), eine kollaborative Gruppe von neun ihrer Skulpturen mit sechs von Tinguely gebauten Maschinen auf der Dachterrasse des achtstöckigen französischen Pavillons auf der Expo 67 in Montreal. [40][41] Die Komposition wurde ursprünglich als Angriff von Tinguelys dunklem Mechaniker konzipiert Konstruktionen über die bunten Tiere und Frauenfiguren von Saint Phalle, eine Art "verliebter Krieg". [42][16]: 100 Obwohl der französische Pavillon selbst beliebt war, waren die meisten Besucher beliebt sah nicht die Dachterrasse, auf der die Skulpturen aufgestellt wurden. [43] Im Jahr 1968 wurden die Skulpturen in der Albright-Knox Gallery in Buffalo, New York, und im New York Central Park 1971 wiedergegeben Die Kunstwerke wurden vom Moderna Museet in Stockholm, Schweden, erworben und dauerhaft in einem Skulpturengarten für den Außenbereich installiert. [43] [35] 1968 gab sie erstmals bekannt, dass sie hatte durch die Einwirkung von Staub und Dämpfen Atembeschwerden entwickelt, als sie ihre Kunstwerke fertigte. [11] [35] Ab 1968 verkaufte Saint Phalle Nana aufblasbare Poolspielzeuge, inmitten von Kritik aus der Kunstwelt. Sie ignorierte die Beschwerden und konzentrierte sich auf die Beschaffung von Geld für ihre zukünftigen monumentalen Projekte. [14][11] In den kommenden Jahren würde sie mehr Kritik wegen Überkommerzialisierung und Popularisierung ihrer Kunstwerke erfahren, aber sie sammelte beträchtliche Mittel, um mehrere ehrgeizige Projekte finanzieren zu können in eigener Regie. [29] Im Laufe der Jahre produzierte sie Kleidung, Schmuck, Parfüm, Figuren aus Glas oder Porzellan, Möbel und Kunsthandwerk, viele davon mit dem Thema Nana . [16]: 110 Von 1969 bis 1971 arbeitete sie an ihrem ersten umfassenden Architekturprojekt, drei kleinen skulpturalen Häusern für Rainer von Diez in Südfrankreich, [35] die sie Le Rêve de l 'oiseau ( Der Traum vom Vogel ). Das Projekt war eine Zusammenarbeit mit ihm und Jean Tinguely und ein Vorläufer ihres späteren Tarot Garden Projekts. Im selben Jahr schloss sie sich mehreren anderen Künstlern unter der Leitung von Tinguely an und begann ihre Arbeit an Le Cyclop (19459021) La Tête was "The Head" bedeutet. Le Monstre dans la forêt was "Das Monster im Wald" bedeutet, in Milly-la-Forêt in der Nähe von Paris. [11] Zu den Mitarbeitern gehörten Daniel Spoerri, Bernhard Luginbuhl und Eva Aeppli. Schließlich arbeiteten 15 verschiedene Personen an dem Projekt, das erst 1994 als abgeschlossen angesehen werden sollte. [44] Im November 1970, im Rahmen eines Künstlertreffs zum 10-jährigen Gründungsjubiläum Die Nouveaux Réalistes, Saint Phalle schoss auf eine Altarassemblage. [35] Am 13. Juli 1971 heirateten Saint Phalle und Tinguely, obwohl der unmittelbare Grund steuerliche Einsparungen gewesen sein könnte. So wurde Saint Phalle Schweizer Staatsbürger. [14] Ihre Ehe gab den beiden Künstlern die gegenseitige Kontrolle über den künstlerischen Nachlass des anderen, falls einer von ihnen sterben sollte. [14] Im selben Jahr entwarf sie ihre ersten Schmuckstücke. [19459253[11] 1972 installierte sie Golem im Auftrag des damaligen Bürgermeisters Teddy Kollek, auf einem Kinderspielplatz im Viertel Kiryat Hayovel in Jerusalem. Es ist ein riesiges Monster mit drei roten Zungen, die aus seiner Mündung herausragen, die als Spielplatzrutschen dienen. [45] Ab 1972 engagierte sie Robert Haligon ( Fabricant de Plastiques d'Art.) ) zur Herstellung ihrer großformatigen Skulpturen sowie verschiedener Editionen von Kunstwerken. This collaboration would continue for many years, including both his sons, notably Gérard, who would take the lead in later years.[35][11] In 1972, Saint Phalle shot footage of the surreal horror film Daddyabout a deeply troubled father-daughter love-hate relationship.[46][47] The filming was done in a rented castle near Grasse in southeastern France in association with filmmaker Peter Whitehead. In November, the film was shown in London. The following January, she produced a new version of the film, with additional scenes in Soisy and New York, and an expanded cast. The revised version premiered at Lincoln Center for the 11th New York Film Festival in April. She was also commissioned to design the cover of the program for the festival.[35][11] Saint Phalle continued to create Nanas for the rest of her life, but would soon focus her attention on a comprehensive project in Italy. The Tarot Garden is not just my garden. It is also the garden of all those who helped me make it. I am the Architect of the garden. I imposed my vision because I could not do otherwise. The garden was made with difficulties, wild enthusiasm, obsession, and most of all faith. Nothing could have stopped me. As in all fairy tales, before finding the treasure, I met on my path dragons, sorcerers, magicians, and the Angel of Temperance. —Niki de Saint Phalle[48] In 1955, Saint Phalle had visited Antoni Gaudí's Parc Güell in Barcelona, Spain, which inspired her to use diverse materials and found objects as essential elements in her art.[49] Another influence was the Parco dei Mostri in Bomarzo, in the Tuscany region of Italy.[50] In the late 1950s, she and Jean Tinguely had visited Le Palais Idéal built by Ferdinand Cheval in Hauterives, France, as well as Simon Rodia’s Watts Towers in Los Angeles in the early 1960s.[11] Both locations were examples of fantastical outsider art and architecture built by ordinary working men of modest means but an expansive vision. Saint Phalle decided that she wanted to make something similar: a magnificent sculpture garden, but created by a woman. The initial sponsors for her ambitious project were members of the Italian Agnelli family. In 1974, Saint Phalle became ill with a pulmonary abscess from her work with polyester and was hospitalized in Arizona.[16]:76 She then recuperated in St. Moritz, Switzerland.[35][11] She reconnected with Marella Caracciolo Agnelli, a friend from the 1950s in New York,[26] and told Agnelli about her ideas for a fantasy garden.[16]:76 In 1978, Agnelli's brothers Carlo and Nicola Caracciolo offered a parcel of their land in Tuscany for the garden's site.[49] In 1975, Saint Phalle wrote the screenplay for Un rêve plus long que la nuit (A Dream Longer Than the Nightlater also called Camélia et le Dragon), and she recruited many of her artist friends to help make it into a film, a phantasmagorical tale of dragons, monsters, and adolescence. A young girl is held captive by a dragon, manages to escape, and must explore Sept Portes du Mystère ("Seven Doors of Mystery") to find love. Saint Phalle's daughter Laura was the lead character in the film, appearing with Saint Phalle, Jean Tinguely, and other artist friends; Peter Whitehead composed the music.[51] For the filming, she designed several pieces of furniture, which were later displayed on the facade of the Palais des Beaux-Arts (Fine Arts Palace) in Brussels.[11] From 1968–1988, she also worked on Last Night I Had a Dreama sculptural relief painting that included many elements from her earlier life and dreams.[52] In 1976, she retreated to the Swiss Alps to refine her plans for the sculpture park.[35] In 1977, Ricardo Menon became her assistant, working closely with her until 1986.[11] In 1977, she worked with the English writer Constantin Mulgrave to design sets for The Traveling Companionbased on a Hans Christian Andersen fairy tale, but the project was never completed.[35] She and Mulgrave lived together for around four years, but Tinguely remained a continually reappearing presence in her life.[16]:101–103 In 1977, she also visited Mexico and New Mexico, in search of more extensive artistic inspirations.[35] In 1978, Saint Phalle started to lay out her sculpture garden in an abandoned quarry in Garavicchio, Tuscany, about 100 kilometres (62 mi) north-west of Rome along the coast. The following year, sites were cleared, and foundations were established.[49] In 1979, she produced the first of what would become a new series of sculptures, the Skinnies. These were flat, planar, see-through outlines of heads and figures, highlighted by patches of color. In some ways, they resembled her colorful sketches and drawings but scaled up to great size. She also continued to produce her Nanas in addition to her new style of sculpture.[11] Both methods of figures would appear in her Tarot Garden project. In 1980, Saint Phalle and her team began to build the first architectural sculpture in the garden. As the project progressed, Saint Phalle started taking lessons in the Italian language, to better communicate with local workers.[14] The second crew member she hired was Ugo Celletti, a 50-year-old part-time postal delivery man, who discovered a love for mosaic work on the project.[14] He would work on the project for 36 years and recruit his nephews to join in; some family members are still involved in maintaining the site.[53] She invited artist friends from Argentina, Scotland, Holland, and France to help work on the sculptures.[14] Over time, Saint Phalle worked with dozens of people, including architects, ceramicists, ironworkers, bricklayers, painters, and mosaic artists.[54] The materials used in the Tarot Garden project would include steel, iron, cement, polyester, ceramic, mosaic glass, mirrors, and polished stones (which she called "M&M's").[9] The structure of the more massive sculptures was very similar to the temporary Hon installation at the Moderna Museet in 1966, but this time the artworks were outdoors and needed to withstand the long-term weathering effects of sun and rain. The basic shape of the sculptures was established with frameworks made of welded steel rebar. The second layer of lighter-gauge steel reinforcement bars was added, followed by two layers of expanded metal. A specialist firm was then brought in to spray shotcrete onto the structure. A layer of tar for waterproofing and a final layer of white cement produced a sturdy, hollow structure ready for decoration.[49] In 1980, she also began selling a series of polyester snake chairs, vases, and lamps.[11] That year, she recorded her first attack of rheumatoid arthritis, a painful disease affecting the joints of the skeleton.[11] In 1980–1981, she designed a colorful paint scheme for a Piper Aerostar 602 P twin-engine airplane, which participated in the first trans-Atlantic race sponsored by the Peter Stuyvesant Foundation of Amsterdam.[11] As an act of playful rebellion against the cigarette manufacturer sponsor, she added a "No Smoking" sign visible on the belly of the plane (she was allergic to tobacco smoke).[55] In 1981, Saint Phalle rented a small house near the Tarot Garden and hired young people from Garavicchio to help with construction of the garden. Jean Tinguely led a Swiss team, comprising Seppi Imhoff and Rico Weber, and started welding the frames of the sculptures.[35] The following year, Dutch artist Doc Winsen (also called "Dok van Winsen") took up the welding operations.[11] In 1982, she developed and marketed an eponymous perfume, using the proceeds to help finance her project.[19][18][11] The perfume bottle top featured a small sculpture of two intertwined snakes, one golden and the other brightly multicolored.[56] She may have raised as much as a third of the funds she needed for the garden in this way.[14] She actively solicited funding from friends and acquaintances, as well as by selling her artworks.[14] In 1982, Saint Phalle collaborated with Tinguely to produce the Stravinsky Fountaina 15-piece sculptural fountain for Igor Stravinsky Square, located next to the Centre Georges Pompidou in Paris. Because of its prominent location in Paris, it would become one of the best-known collaborations between the two artists. From 1983 onwards when on site,[49] Saint Phalle lived in a small apartment built into The Empressa house-sized sphinx-like sculpture in the garden. On the second level, her bedroom was inside one breast, and her kitchen was inside the other one.[14] Each of these two rooms had a single recessed circular window, appearing as an inverted nipple when viewed from the outside. In 2000, she would recall: "At last, my lifelong wish to live inside a sculpture was going to be granted: a space entirely made out of undulating curves ... I wanted to invent a new mother, a mother goddess, and be reborn within its form ... I would sleep in one breast. In the other, I would put my kitchen".[33] The ground floor contained a large mirrored space with a mirrored dining table where she would serve lunch to workers and artists, beneath a chandelier Tinguely had made with a cow skull.[14] She used this motherly role to help reinforce her authority in directing the team of men she needed to help build her project.[14] Eventually, she would grow tired of the cramped space "in the womb of her mother," and after 1988 would move into a New-York-loft-style studio which she had built for herself underground at the site.[49] Around 1983, Saint Phalle decided to cover her Tarot Garden sculptures primarily in durable ceramic colored tiles, adding shards of mirrors and glass, and polished stones.[11] Ricardo Menon helped her recruit Venera Finocchiaro, a ceramics teacher from Rome; she taught local women new techniques for molding ceramic pieces to curved surfaces and installed on-site ovens to finish the pieces.[11][49][14] Starting in 1985, Jean Tinguely added motorized and stationary steel sculptures and fountains to the project.[49] Robert Haligon and his sons did much of the work which involved polyester resins.[49] Saint Phalle asked Pierre Marie Lejeune to create a cement path, which he inscribed with hieroglyphs, other signs and symbols, and text.[49] During this period, Saint Phalle dedicated almost all of her time to living and working in the garden.[11] In 1986, Ricardo Menon left to attend a drama school in Paris. While there, he recruited Marcelo Zitelli to work for Saint Phalle as a gardener, but he, in turn, became her assistant for other work as well, helping her fabricate sculptures for at least the next decade.[11] The same year, Saint Phalle took some time to collaborate with Silvio Barandun (a German medical professor of immunology) in writing and illustrating her book AIDS: You Can’t Catch It Holding Handsintended for students in middle school or high school. It was first published in San Francisco in English, then later translated into five different languages; 70,000 copies were sold or given to medical institutions and schools.[11][57] From 1987–1993, Saint Phalle spent more of her time in Paris, where she developed many of the smaller sculptures for the garden.[49] From time to time, she would organize gallery shows of her art, including maquettes of her more significant works, to raise funds for the garden project.[49] Saint Phalle also worked on establishing a permanent legal structure for the preservation and maintenance of the garden.[49] In 1991, she produced a maquette for Le Temple Idéal (The Ideal Temple), a place of worship welcoming all religions, in response to the religious intolerance she saw while working in Jerusalem.[35] The city of Nîmes (France) commissioned her to build the architectural sculpture, but the project never was made, due to politics.[35] Over the years, she had become interested in myths and religious traditions beyond her childhood Roman Catholic upbringing, including Jewish, Hindu, Buddhist, and ancient Egyptian beliefs. In 1992–1993, corrective maintenance on the Tarot Garden sculptures was performed, using new glues and silicones to attach mirrors and glass elements more securely, to withstand weathering and the touch of many visitors' hands.[49] As of 2017[update]a similar restoration process of re-attaching mirrors is ongoing with Le Cycloplocated in Milly-la-Forêt, near Paris.[58] The Tarot Garden was under development for almost 30 years, and $5 million (roughly $11 million in 2016 dollars[14]) was spent to construct it.[59] The Foundation of the Tarot Garden was constituted in 1997 (and would attain official juridical status in 2002), and the garden officially opened to the public on 15 May 1998.[49] The completed garden (called il Giardino dei Tarocchi in Italian, and le Jardin des Tarots in French) now contains sculptures and architectural sculptures representing the 22 cards of Major Arcana found in the Tarot deck of cards, plus other smaller artworks.[60] The site covers around 2 hectares (4.9 acres) on the southern slope of the hill of Gravicchio, in Capalbio.[61] The tallest sculptures are about 15 metres (49 ft) high.[61] Saint Phalle's friend, architect Mario Botta, built a fortress-like protective wall and a porthole-shaped gateway at the entrance to the garden, marking a distinctive separation from the outside world.[49] The entry structure also houses a ticket office, a gift shop, and restrooms for visitors.[60] Within the park, there are fountains, courtyards, a multilevel tower, and many larger-than-life mythical creatures.[49] Saint Phalle designed a brochure containing a map and other information for visitors to the garden, which is open seasonally.[48] Kitchen used by Saint Phalle inside The Empress Floor paving at The Tower Walkway inscribed with arcane symbols Pathway signed by Saint Phalle In her final years, Saint Phalle was afflicted with emphysema,[5]asthma,[5] and severe arthritis,[7][14] which a many commentators attributed to exposure to fumes and petrochemicals from materials used in her artworks.[5][18][7][14][62][29] Despite these handicaps, she launched into exploring new venues, new technologies, and new art media. Throughout her career, Saint Phalle was outspoken in addressing important political and cultural issues of the time.[63][9] Her Tirs series and assemblages reflected the violence of the early 1960s Algerian War for independence from France and asserted her rebellion as part of second-wave feminism.[1][28] Her enormous, curvaceous Nanas celebrated the fecund female form, featuring large breasts and buttocks, splayed limbs, joyous dance postures, and often, black skin.[47][64] She was one of the earliest artistic champions of AIDS awareness,[47] creating artworks and a widely distributed book.[57] Shortly before her death, she exhibited drawings critical of the George W Bush administration.[47][65] In addition to her artworks, she wrote extensively in both French and English, and granted numerous interviews; much of this material is collected in her archives.[66] In 1989, Ricardo Menon, Saint Phalle's former assistant, died of AIDS.[11] She created a large mosaic cat, Chat de Ricardoto serve as his cemetery headstone in Montparnasse Cemetery, Paris, France.[67] A second copy of the Chat de Ricardo is located in the Tarot Garden in Tuscany, where he had worked with her for many years.[60] In 1990, Saint Phalle completed Skull (Meditation Room)a 5-metre (16 ft) tall room-sized skull-shaped enclosure surfaced in colorful mosaics and lined inside with mosaic mirrors, to memorialize the AIDS crisis.[21][11] She also used bronze for the first time, in a series of Egyptian gods and goddesses.[11] In August 1991, Jean Tinguely died suddenly of a heart attack in Bern, Switzerland. They had separated years ago, but remained very close; the loss of her longtime collaborator and intimate friend affected Saint Phalle deeply. She was writing a memoir letter about their first meeting when news of his death reached her.[16]:103 In his memory, Saint Phalle created her first kinetic sculptures, which she called Méta-Tinguelys.[68] With initial assistance from her friend Larry Rivers, she created a series of kinetic reliefs or moving paintings, called Tableaux Éclatés ("Shattered Paintings"), in homage to her late husband and colleague.[8][35][69] When a visitor approached, a photocell would trigger motors which caused elements of the paintings to separate.[8] As her health deteriorated, she worked on creating the Museum Tinguely in Basel, Switzerland, as well as continuing work on her Tarot Garden. During this time, she became a good friend of the museum's architect Mario Botta, and she also engaged him to design the wall and entryway to her Tarot Garden.[49] In 1994, Saint Phalle published her hand-illustrated and hand-colored memoirs Mon Secret (My Secret) in French and revealed her childhood history of sexual abuse.[15][14][70] In 1999, she released Tracesan English-language autobiography, which she also illustrated. In 2006, Harry and Me: The Family Years; 1950–1960 were published (posthumously), consisting of her self-illustrated memoirs from the decade when she was married to Harry Mathews. Saint Phalle moved from Paris to La Jolla, California in 1994 for health reasons.[68][18][49][19][16]:79 She set up a new studio and produced sculptures which were covered with mirrors, glass, and polished stones, instead of paints.[68][49] In her new workspace, she started to explore novel technologies for designing and creating artwork.[11] She also became an active member of the San Diego art scene, participating in fund-raisers and exhibitions there.[5] In 1994, she designed a stamp for Swiss Post. With the message "Stop AIDS/Stop SIDA," for which she was awarded the Prix Caran d’Ache.[71][11] She also began a series of silkscreened works, which she called California Diaryfeaturing local fauna.[16]:64 She started a new series of Totem pillars of stacked human or animal figures and anatomical fragments.[16]:64 In 1994, she finally declared the collaborative sculpture Le Cyclopstarted in 1969 by Tinguely and worked on by 15 artists, to be finished.[44] The President of France, François Mitterrand, opened the work to the general public in May.[44] To control vandalism, the installation was donated to the French state, which has taken responsibility for its safeguarding and maintenance. The massive structure is 22.5 metres (74 ft) tall, weighs 350 tonnes (350,000 kg), and is filled with custom-built artworks, including a giant rolling ball sculpture.[44] Many of the artworks are kinetic, endowing the installation with constant motion, and producing loud groaning and other mechanical noises.[44] In October 1994, the Niki Museum, dedicated to telling the story of her life and artwork, was opened in Nasu, Japan.[11] However, the Niki Museum would later be forced to close in 2011.[72][73] In 1994, Saint Phalle worked with Peter Schamoni in making a documentary film about her life story, Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster – Du oder ich? ("Who is the Monster, You or I?").[11][74] In 1995, the film was awarded the Bavarian Film Award for best documentary.[16]:110 In 1996, she began building Gilaa large dragon-shaped children's playhouse for a San Diego private residence. This project was her first use of digital techniques to enlarge drawings into full-scale construction.[11] In 1996, she supported the opening of the Museum Tinguely in Basel, by donating 55 major sculptures and over 100 graphic works by Tinguely, which constituted much of the core collection.[35][11] She also donated some of her and her husband's artwork to create L’Espace Jean Tinguely and Niki de Saint Phalle at the Musée d’art et d’histoire in Fribourg, Switzerland.[11] In 1997, she designed snake chairs of wood with a mosaic inlay, made by Del Cover and Dave Carr.[35] In 1998, she created a series of Black Heroes sculptures in honor of African-Americans who made major contributions to sports or jazz, including Miles Davis, Louis Armstrong, and Josephine Baker.[16]:65 She dedicated the series to her great-grandchildren, who are of mixed race.[11] With assistance from Marco Zitelli, she also completed her series of 23 large animals for the Noah's Ark sculptural park at the Jerusalem Biblical Zoo, in collaboration with architect Mario Botta.[75][11] In 1999, she debuted a monumental statue of Buddhaa one-eyed contemplative figure seated in the lotus position. The figure is covered with glittering mosaic tiles, glass, mirrors, and polished stones, and was installed in a nature garden.[9] On 17 November 2000, she became an honorary citizen of Hannover, Germany, and donated 300 pieces of her artwork to the Sprengel Museum located there. In 2000, the artist was awarded the Praemium Imperiale award for the sculpture by the Japan Art Association.[76] The award is considered to be the equivalent of the Nobel Prize in the world of art.[35] In 2001, she gave 170 pieces to the Musée d'art moderne et d'art contemporai (MAMAC) in Nice, France, and donated other works to the Musée des Arts Décoratifs in Paris.[35] She also designed and built a 12-metre (39 ft) tall sculpture, Coming Togetherfor the Port of San Diego. The sculpture part of her Skinnies series, consists of a colorful half female and a black-and-white half male face joined together, covered with mosaic and stones, and was dedicated in October.[35] Saint Phalle endured intensive care hospitalization for six months[7] before dying of respiratory failure (caused by emphysema) at Scripps Memorial Hospital in La Jolla, on 21 May 2002.[5][19] She was attended by her first husband Harry Mathews, and their children.[16]:79[14] Up until the end, she continued to design further developments for her Tarot Garden in Italy, including a maze, for which land was cleared, and metal rods were installed.[49] Upon her death, all new developments in her garden were halted, as she had previously specified.[49] Posthumously, the Grotto (2001–2003) was completed according to detailed instructions left by Saint Phalle. The permanent installation, in the Grosser GartenHerrenhausen Gardens, Hannover, consisted of three rooms which were decorated on every surface with mirrors, glass, ceramics, and colored stones.[77] Posthumously, Queen Califia's Magical Circle (2000–2003), a 120-foot (37 m) diameter sun-drenched sculpture garden designed by Saint Phalle, was opened in Escondido, California in October 2002. It is enclosed in a 400-foot (120 m) undulating wall topped with substantial python-like snakes and included a maze and ten large sculptures she designed, comprising the most extensive public collection of her work in the US.[78][7] The decorations include symbols and plaques referring to her earlier Tarot Garden. La Grande Lune (Big Moon) Le Grand Oiseau de Feu sur l’Arche (Firebird1991) Lifesaver Fountain (1993), Duisburg, Germany Many of Saint Phalle's sculptures are large and are exhibited in public places. The Niki Charitable Art Foundation maintains an online map and catalog of all her extant public artworks, including a pizza oven in La Jolla, California.[81] The Sprengel Museum has the largest holdings of Niki de Saint Phalle's work,[5] and other major holdings are at MAMAC.[94] Her archives and artistic rights are held by the Niki Charitable Art Foundation (NCAF) in Santee, California, near San Diego, which became active upon her passing.[66][14] The NCAF maintains an online catalog of artworks in museums and major collections.[94] A short, annotated bibliography is available at the Niki Charitable Art Foundation website.[95] As of 2017[update]a definitive multi-volume catalogue raisonné is in preparation, and one volume has been published.[96] A comprehensive listing is at the Niki Charitable Art Foundation website.[97] ] Tirs (1961–1963) [ edit ]
Nanas (1964–1973) [ edit ]
Tarot Garden (1974–1998)[edit]
“ ”
Later years (1990–2002)[edit]
Gallery[edit]
Major exhibitions[edit]
Public art[edit]
Museums and collections[edit]
Bibliography (by publication date)[edit]
See also[edit]
References[edit]
May/June 2011
J'ai écrit ce livre d'abord pour moi-même, pour tenter de me délivrer enfin de ce viol qui a joué un rôle si déterminant dans ma vie. Je suis une rescapée de la mort, j'avais besoin de laisser la petite fille en moi parler enfin… J'ai longtemps pensé que j'étais une exception, ce qui m'isolait encore plus ; aujourd'hui j'ai pu parler à d'autres vistimes d'un viol : les effets calamiteux sont tous les mêmes : désespoir, honte, humiliation, angoisse, suicide, maladie, folie, etc. Le scandale a enfin éclaté ; tous les jours des révélations jaillissent sur ce secret si jalousement gardé pendant des siècles : le viol d'une multitude d'enfants, filles ou garçons, par un père, un grand-père, un voisin, un professeur, un prêtre, etc. Après le Secret j'ai l'intention d'écrire un autre livre adressé aux enfants, afin de leur apprendre à se protéger : parce que l'éducation qu'on leur donne les laisse sans défense contre l'adulte…
Further reading[edit]
External links[edit]
![[icon]](https://lh3.googleusercontent.com/blogger_img_proxy/AEn0k_vAuWsGkboh9570znGuIHcRnJstUG6Zh_dtPAybKwco__60ZB6N7q6mEQDsNM_9Xa49Nlw_9TaG588eBrr3_rqgwYWl9RmTxPhOgnEmc86Xwk_kkgQ3_gFVl71eJFuVfL3BHSgF6vFDUA0k4qVhKCfoxKImDnAYqXkCOCTUzEVPiK0Xmdthu-ILfMELfAScjsI_2iqbU19U8Q=s0-d){kind=small}
No comments:
Post a Comment