Klassisches Hollywood-Kino klassische Hollywood-Erzählung und klassische Kontinuität [4] sind Begriffe, die in der Filmkritik verwendet werden und sowohl einen narrativen als auch visuellen Stil des Filmschaffens bezeichnen, in dem sich der Film entwickelte und charakterisierte das amerikanische Kino zwischen den 1910er und den frühen 1960er Jahren und wurde schließlich der mächtigste und durchdringendste Filmstil der Welt. [5]
Entwicklung des klassischen Stils [
Früher Erzählfilm (1895–1913) [ edit ]
Über Jahrhunderte hinweg war das Theater der einzige visuelle Maßstab des Erzählens. Seit den ersten Erzählfilmen in den 1890er Jahren versuchten die Filmemacher, die Kraft des Live-Theaters auf der Kinoleinwand zu erfassen. Die meisten dieser Filmemacher begannen als Regisseure auf der Bühne des späten 19. Jahrhunderts, und auch die meisten Filmschauspieler hatten Wurzeln in Vaudeville oder Theatermelodramen. Optisch hatten frühe Erzählfilme wenig von der Bühne angepasst, und ihre Erzählungen hatten sich wenig an Varieté und Melodrama angepasst. Vor dem visuellen Stil, der als "klassische Kontinuität" bekannt werden sollte, wurden Szenen in voller Einstellung gedreht und anhand sorgfältig choreographierter Inszenierungen Handlungs- und Charakterverhältnisse dargestellt. Das Schneiden war äußerst begrenzt und bestand größtenteils aus Nahaufnahmen von Objekten für ihre Lesbarkeit. [6]
Reifung der Silents (1913 bis Ende der 1920er Jahre) [
Obwohl die der Bühne innewohnende Realität fehlt, bietet der Film (im Gegensatz zur Bühne) die Freiheit, scheinbare Zeit und Raum zu manipulieren und so die Illusion des Realismus zu erzeugen - das ist zeitliche Linearität und räumliche Kontinuität. In den frühen 1910er Jahren begann das Filmemachen sein künstlerisches Potenzial zu entfalten. In Schweden und Dänemark wäre diese Zeit als "goldenes Zeitalter" des Films bekannt. [7] In Amerika wird diese künstlerische Veränderung Filmemachern wie David W. Griffith zugeschrieben, die schließlich den Edison Trust zum Filmen brachen unabhängig vom Fertigungsmonopol. Filme auf der ganzen Welt begannen, visuelle und narrative Elemente, die im klassischen Hollywood-Kino zu finden waren, spürbar zu übernehmen. 1913 war ein besonders fruchtbares Jahr für das Medium, als bahnbrechende Regisseure aus mehreren Ländern Meisterwerke produzierten, wie The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm (Victor Sjöström) und L'enfant de Paris (Léonce Perret), das neue Maßstäbe für den Film als Form des Erzählens setzte. [6] Es war auch das Jahr, in dem Yevgeni Bauer (der erste wahre Filmkünstler nach Georges Sadoul [8] ) begann seine kurze, aber produktive Karriere. [9]
In der Welt, allgemein und speziell in Amerika, war der Einfluss von Griffith auf das Filmen unerreicht. Ebenso einflussreich waren seine Schauspieler bei der Anpassung ihrer Performances an das neue Medium. Lillian Gish, der Star von The Mothering Heart ist besonders für ihren Einfluss auf die Aufführungstechniken auf dem Bildschirm bekannt. Griffiths Epoche 1915 Die Geburt einer Nation war wegweisend für den Film als Mittel zum Erzählen - ein Meisterwerk der literarischen Erzählung mit zahlreichen innovativen visuellen Techniken. Der Film initiierte so viele Fortschritte im amerikanischen Kino, dass er innerhalb weniger Jahre veraltet wurde. [10] Obwohl 1913 ein weltweiter Meilenstein für die Filmproduktion war, war 1917 hauptsächlich ein amerikanischer Film.
Die Ära des "klassischen Hollywood-Kinos" zeichnet sich durch einen narrativen und visuellen Stil aus, der ab 1917 in Amerika das Medium dominieren würde.
Klassisches Hollywood-Kino im Sound-Zeitalter (Ende der 1920er bis 1960er Jahre) [ edit ]
Der narrative und visuelle Stil des klassischen Hollywood-Stils würde sich nach dem Übergang zum Tonfilm weiter entwickeln Produktion. Die wichtigsten Veränderungen in der amerikanischen Filmproduktion kamen von der Filmbranche selbst mit der Höhe des Studiosystems. Dieser Produktionsweise, deren regierendes Sternensystem von mehreren Schlüsselstudios finanziert wurde, war dem Sound mehrere Jahre vorausgegangen. Bis Mitte 1920 mussten die meisten der prominenten amerikanischen Regisseure und Schauspieler, die seit den frühen 10er Jahren unabhängig gearbeitet hatten, Teil des neuen Studiosystems werden, um weiter arbeiten zu können.
Der Beginn des Klangzeitalters selbst ist mehrdeutig definiert. Für einige begann es mit The Jazz Singer das 1927 veröffentlicht wurde und den Kinokassengewinn für Filme erhöhte, als Ton in Spielfilmen eingeführt wurde. [11] Für andere begann die Ära 1929, als das stille Zeitalter endgültig zu Ende war. [12] Die meisten Hollywood-Bilder aus den späten 1920er bis 1960er Jahren hingen eng mit einem Genre zusammen - Western, Slapstick-Comedy, Musical, Zeichentrickfilm und Biopic (biografisches Bild) - und dieselben kreativen Teams arbeiteten häufig an Filmen desselben Studios. Zum Beispiel arbeiteten Cedric Gibbons und Herbert Stothart immer an MGM-Filmen. Alfred Newman arbeitete zwanzig Jahre lang bei Twentieth Century Fox. Cecil B. DeMilles Filme wurden fast alle bei Paramount Pictures gemacht; Die Filme von Regisseur Henry King wurden größtenteils für Twentieth Century Fox gedreht. In ähnlicher Weise waren Schauspieler meistens Vertragsspieler. Filmhistoriker und -kritiker stellen fest, dass es etwa ein Jahrzehnt gedauert hat, bis sich Filme an den Ton gewöhnt haben und zu den künstlerischen Qualitäten der Silents zurückkehren, die sie Ende der 1930er Jahre getan haben.
Viele große Werke des Kinos, die aus dieser Zeit hervorgingen, waren hochregimierte Filmproduktionen. Ein Grund, warum dies möglich war, war, dass bei so vielen Filmen nicht jeder ein großer Erfolg gewesen sein musste. Ein Studio könnte mit einem guten Budget und einem guten Drehbuch und relativ unbekannten Schauspielern spielen: Citizen Kane Regie bei Orson Welles und wird von einigen als der größte Film aller Zeiten betrachtet, passt zu dieser Beschreibung. In anderen Fällen kämpften willensstarke Regisseure wie Howard Hawks, Alfred Hitchcock und Frank Capra gegen die Studios, um ihre künstlerischen Visionen zu erreichen. Der Höhepunkt des Studiosystems war möglicherweise das Jahr 1939, in dem Klassiker wie The Wizard of Oz Vom Winde verweht Der Bucklige von Notre veröffentlicht wurden Dame Postkutsche Herr. Smith geht nach Washington Destry Rides Again Der junge Mr. Lincoln Wuthering Heights Nur Engel haben Flügel Ninotchka Beau Geste Babes in Arms Gunga Din Goodbye, Mr. Chips und ] Die Goldenen Zwanziger .
Das klassische Hollywood-Kino besitzt einen Stil, der weitgehend unsichtbar und für den durchschnittlichen Zuschauer schwer zu erkennen ist. Die Erzählung wird dem Publikum so mühelos und effizient übermittelt, dass es scheinbar keine Quelle zu haben scheint. Es kommt magisch von der Leinwand.
John Belton, Filmwissenschaftler, Rutgers University [13] [ dead link ]
Der visuell-narrative Stil des klassischen Hollywood-Kinos, wie er von David Bordwell ausgearbeitet wurde. 19659032] wurde stark von den Ideen der Renaissance und ihrem Wiederaufleben der Menschheit als Mittelpunkt beeinflusst. Es wird auf drei allgemeinen Ebenen unterschieden: Geräte, Systeme und Systembeziehungen.
Geräte [ edit ]
Die Geräte, die dem klassischen Hollywood-Kino am ehesten eigen sind, sind die der Kontinuitätsbearbeitung. Dazu gehört die 180-Grad-Regel, eines der wichtigsten visuell-räumlichen Elemente der Kontinuitätsbearbeitung. Die 180-Grad-Regel bleibt beim Stil des "fotografierten Spiels" erhalten, indem zwischen dem Betrachter und der Aufnahme eine imaginäre 180-Grad-Achse erstellt wird, die es dem Betrachter ermöglicht, sich klar innerhalb der Position und Bewegungsrichtung einer Szene zu orientieren. Gemäß der 30-Grad-Regel müssen Schnitte in dem Winkel, aus dem die Szene betrachtet wird, signifikant genug sein, damit der Betrachter den Zweck eines Perspektivwechsels verstehen kann. Schnitte, die sich nicht an die 30-Grad-Regel halten, die als Sprungschnitte bezeichnet wird, stören die Illusion einer zeitlichen Kontinuität zwischen den Schüssen. Die 180-Grad- und 30-Grad-Regeln sind elementare Richtlinien für die Filmproduktion, die dem offiziellen Beginn der klassischen Ära um mehr als ein Jahrzehnt vorausgingen, wie dies im französischen Pionierfilm von 1902 Eine Reise zum Mond zu sehen ist. Schnitttechniken in der klassischen Kontinuitätsbearbeitung helfen dabei, Kontinuität herzustellen oder aufrechtzuerhalten, wie dies im Kreuzschnitt der Fall ist, der die Übereinstimmung der Handlung an verschiedenen Orten festlegt. Sprungschnitte sind in der Form des axialen Schnitts erlaubt, der den Winkel des Schießens überhaupt nicht ändert, aber den klaren Zweck hat, eine Perspektive näher oder weiter vom Motiv zu zeigen, und stört daher nicht die zeitliche Kontinuität.
Systems [ edit ]
Erzähllogik [ edit
Klassische Erzählung entwickelt sich immer durch psychologische Motivation, d.h. durch den Willen eines Menschen und seinen Kampf mit Hindernissen auf ein definiertes Ziel hin. Dieses narrative Element besteht im Allgemeinen aus einer primären Erzählung (oft eine Romanze), die mit einer sekundären Erzählung wie einem Geschäft oder einem Verbrechen verbunden ist. Diese Erzählung ist mit einem unverwechselbaren Anfang, einer Mitte und einem Ende strukturiert und im Allgemeinen gibt es eine eindeutige Auflösung. Die Verwendung von Akteuren, Ereignissen, kausalen Effekten, Hauptpunkten und Sekundärpunkten sind grundlegende Merkmale dieser Art von Erzählung. Die Charaktere im klassischen Hollywood-Kino haben klar definierbare Züge, sind aktiv und sehr zielorientiert. Sie sind kausale Agenten, die eher von psychologischen als von sozialen Belangen motiviert sind. [5] Die Erzählung ist eine Kette von Ursache und Wirkung, wobei die Charaktere die kausalen Agenten sind - im klassischen Stil treten Ereignisse nicht zufällig auf.
Filmzeit [ edit ]
Die Zeit im klassischen Hollywood ist kontinuierlich, linear und einheitlich, da Nichtlinearität auf die illusorischen Funktionen des Mediums aufmerksam macht. Die einzige zulässige Manipulation der Zeit in diesem Format ist der Flashback. Es wird meistens verwendet, um eine Speichersequenz eines Zeichens einzuführen, z. Casablanca .
Filmischer Raum [ edit ]
Die größte Regel der klassischen Kontinuität in Bezug auf den Raum ist Objektbeständigkeit: Der Zuschauer muss glauben, dass die Szene außerhalb der Einstellung des filmischen Rahmens existiert, um den Film aufrechtzuerhalten Bild Realismus. Die Behandlung des Weltraums im klassischen Hollywood strebt danach, die Zweidimensionalität des Films ("unsichtbarer Stil") zu überwinden oder zu verdecken, und ist stark auf den menschlichen Körper ausgerichtet. Die meisten Aufnahmen eines klassischen Films konzentrieren sich auf Gesten oder Gesichtsausdrücke (mittlere und mittlere Aufnahmen). Einmal verglich André Bazin den klassischen Film mit einem fotografierten Spiel, in dem die Ereignisse objektiv zu existieren scheinen und Kameras nur den besten Blick auf das gesamte Spiel gewähren. [15]
Diese Raumbehandlung besteht aus vier Hauptaspekte: Zentrieren, Auswuchten, Frontalität und Tiefe. Personen oder Gegenstände von Bedeutung sind meist im mittleren Teil des Bilderrahmens und niemals unscharf. Balancing bezieht sich auf die visuelle Komposition, d.h. Zeichen werden gleichmäßig über den Rahmen verteilt. Die Aktion ist subtil auf den Zuschauer gerichtet (Frontalität) und die Beleuchtung (hauptsächlich Dreipunktbeleuchtung, besonders die Beleuchtung mit hohen Tasten) und Kostüme sind so gestaltet, dass Vordergrund und Hintergrund (Tiefe) voneinander getrennt werden.
Beziehungen der Systeme [ edit ]
Die Aspekte von Raum und Zeit sind dem narrativen Element untergeordnet.
Liste wichtiger Persönlichkeiten der Epoche [ edit
Viele der unten aufgeführten Filmemacher haben während ihrer Karriere mehrere Arbeiten an verschiedenen Filmproduktionen durchgeführt. Sie werden hier nach der Kategorie aufgelistet, in der sie am leichtesten erkannt werden. Wenn sie in mehr als einer Kategorie auf derselben Ebene erkannt werden, werden sie in allen aufgeführt.
Regisseure [ edit ]
Das Folgende ist eine Liste von Regisseuren, die mit dem klassischen Hollywood in Verbindung stehen. Einige von ihnen hatten auch Karrieren in anderen Ländern (z. B. Hitchcock und Renoir), und einige hatten Karrieren entweder vor (z. B. Griffith) oder nach (z. B. Huston) der klassischen Zeit.
Produzenten [ edit ]
Schauspieler [ edit
Schauspielerinnen [ [] [] [] [] [ ] Andere [ edit ]
Liste bemerkenswerter Filme [ edit
Nachfolgend finden Sie eine chronologische Liste bemerkenswerter amerikanischer und britischer Filme während Hollywoods goldenem Zeitalter gemacht.
Stille Ära [ edit ]
Ton-Ära [ edit
Referenzen [] [].
- ^ Klassischer und postklassischer Hollywood Cinema Essay
- ^ "Die uralte Kunst des Herunterfallens des Vaudeville-Kinos zwischen Hollywood und China". MCLC Resource Center . 2017-08-29 . 2017-12-14 .
- ^ [1] Deutsches Expressionistisches Kino
The World of Light und Shadow-Columbia University Press - ^ Der klassische Hollywood-Erzählstil an der University of San Diego History Dept
- ^ a b Goldburg, Michael. "Klassisches Hollywood-Kino (Internetarchiv)". Nach dem Original am 31. Mai 2007 archiviert. Abgerufen 31. Mai 2007 .
- ^ a b "Archivierte Kopie". Archiviert aus dem Original am 22.12.2015 . Abgerufen 2015-12-17 . CS1 maint: Archivierte Kopie als Titel (link)
- ^ "Das" goldene Zeitalter "des Stummfilms - Schweden - bio, Schauspielerin, Kinder, Frau, Kino, Rolle, Geschichte ".
- ^ Georges Sadoul. Всеобщая история кино. - Moskau, Iskustvo, 1958. - Т. 3. - Seite 178
- ^ [2]
Evgenii Bauer (1865-1917) - ^ Brownlow, Kevin (1968). Die Parade ist vorbei ... University of California Press, p. 78. ISBN 0-520-03068-0.
- ^ Goldenes Zeitalter von Hollywood: Filme, Schauspieler und Schauspielerinnen ***
- ^ Expressive Experimentalism in Silent Cinema 1926-1929- Lucia Maria Pier
- ^ Klassische Hollywood-Erzählung
- ^ Bordwell, David; Staiger, Janet; Thompson, Kristin (1985): Das klassische Hollywood-Kino. Filmstil und Produktionsweise bis 1960. New York: Columbia University Press. 1–59
- ^ Bordwell: 24
- ^ a b c d e [1945656] Uhr i j k L
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