Synthesizer - Wikipedia

Early Minimoog von R.A. Moog Inc. (ca. 1970)

Ein Synthesizer oder Synthesizer (oft als Synth abgekürzt) ist ein elektronisches Musikinstrument, das Tonsignale erzeugt in Ton umgewandelt werden. Synthesizer können traditionelle Musikinstrumente wie Klavier, Flöte, Gesang oder natürliche Klänge wie Meereswellen nachahmen; oder generieren Sie neuartige elektronische Klangfarben. Sie werden oft mit einem Keyboard gespielt, können aber auch über eine Reihe anderer Geräte gesteuert werden, darunter Musiksequenzer, Instrument-Controller, Griffbretter, Gitarrensynthesizer, Wind-Controller und elektronische Drums. Synthesizer ohne eingebaute Controller werden oft als Sound-Module bezeichnet und werden über USB, MIDI oder CV / Gate mit einem Controller-Gerät, häufig einem MIDI-Keyboard oder einem anderen Controller, gesteuert.

Synthesizer verwenden verschiedene Methoden, um elektronische Signale (Sounds) zu erzeugen. Zu den beliebtesten Wellenformsynthesetechniken gehören die subtraktive Synthese, die additive Synthese, die Wavetable-Synthese, die Frequenzmodulationssynthese, die Phasenverzerrungssynthese, die physikalische Modellsynthese und die auf Proben basierende Synthese.

Synthesizer wurden in den 1960er Jahren erstmals in der Popmusik eingesetzt. In den späten 70er Jahren wurden Synthesizer in Progressive Rock, Pop und Disco eingesetzt. In den 80er Jahren machte die Erfindung des relativ preiswerten Yamaha DX7-Synthesizers digitale Synthesizer breit verfügbar. In der Pop- und Tanzmusik der 1980er Jahre wurden Synthesizer häufig eingesetzt. In den 2010er Jahren werden Synthesizer in vielen Genres wie Pop, Hip Hop, Metal, Rock und Dance eingesetzt. Komponisten der zeitgenössischen klassischen Musik aus dem 20. und 21. Jahrhundert schreiben Kompositionen für Synthesizer.

Geschichte [ edit ]

Synthesizer vor dem 19. Jahrhundert

Die Anfänge des Synthesizers sind schwer zu verfolgen, da es schwierig ist, einen Unterschied zwischen Synthesizern und frühen elektrischen Signalen zu ziehen oder elektronische Musikinstrumente. ^[1][2]

Frühe elektrische Instrumente [ edit ]

Eines der frühesten elektrischen Musikinstrumente, das Musical Telegraph wurde 1876 von den Amerikanern erfunden Elektroingenieurin Elisha Gray. Er entdeckte zufällig die Klangerzeugung aus einer selbstschwingenden elektromechanischen Schaltung und erfand einen grundlegenden Oszillator mit einer Note. Dieses Instrument verwendete Stahlrohre mit Schwingungen, die von Elektromagneten erzeugt wurden, die über eine Telegraphenleitung übertragen wurden. Grey baute auch ein einfaches Lautsprecherbauteil in spätere Modelle ein, das aus einer schwingenden Membran in einem Magnetfeld bestand, um den Oszillator hörbar zu machen. ^[3][4] Dieses Instrument war ein elektromechanisches Musikinstrument aus der Ferne, bei dem Telegraphie und elektrische Summer verwendet wurden, die einen festen Klang erzeugten. Obwohl ihm eine willkürliche Klangsynthesefunktion fehlte, nannten ihn einige irrtümlich den ersten Synthesizer . ^[1][2]

Im Jahre 1897 erhielt Thaddeus Cahill sein erstes Patent für ein elektronisches Musikinstrument, zu dem er sich 1901 entwickelt hatte das Telharmonium ist zur additiven Synthese fähig. ^[5] Cahills Geschäft war aus verschiedenen Gründen erfolglos, aber später wurden ähnliche und kompaktere Instrumente entwickelt, wie beispielsweise elektronische und Tonrad-Orgeln, einschließlich der Hammond-Orgel, die 1935 erfunden wurde. ^[6]

1906 Der amerikanische Ingenieur Lee de Forest erfand die erste verstärkende Vakuumröhre, die Audion ^[7] deren Verstärkung der schwachen Audiosignale zu Fortschritten bei Tonaufnahmen, Radio und Film ^[8] und der Erfindung früher elektronischer Musikinstrumente einschließlich des Theremin beigetragen hat. die Ondes Martenot ^[9] und das Trautonium. ^[10] Die meisten dieser frühen Instrumente verwendeten Heterodynschaltungen, um Audiofrequenzen zu erzeugen d waren in ihren Synthesefähigkeiten begrenzt. Die Ondes Martenot und Trautonium wurden über mehrere Jahrzehnte kontinuierlich weiterentwickelt und entwickelten schließlich ähnliche Eigenschaften wie spätere Synthesizer.

Grafischer Klang [ edit ]

In den 1920er Jahren entwickelte Arseny Avraamov verschiedene Systeme der grafischen Klangkunst, ^[11] und ähnliche grafische Ton- und Tonradsysteme wurden auf der ganzen Welt entwickelt. ^[12] Im Jahr 1938 entwickelte der Ingenieur der UdSSR, Yevgeny Murzin, ein Kompositionswerkzeug namens ANS, eines der ersten Echtzeit-Synthesizer mit optoelektronischer Synthese. Obwohl seine Idee, einen Klang aus seinem sichtbaren Bild zu rekonstruieren, scheinbar einfach war, wurde das Instrument erst 20 Jahre später, 1958, als Murzin "ein Ingenieur, der in Bereichen arbeitete, die nicht mit Musik zu tun haben", verwirklicht. ^[13]

Subtraktive Synthese und polyphones synthesizer [ edit ]

In den 1930er und 1940er Jahren hatten bereits die Grundelemente für die modernen analogen subtraktiven Synthesizer - elektronische Oszillatoren, Audiofilter, Hüllkurvenregler und verschiedene Effektgeräte - Vorrang erschienen und wurden in verschiedenen elektronischen Instrumenten verwendet. ^{[ Zitat benötigt}

Die ersten polyphonen Synthesizer wurden in Deutschland und den Vereinigten Staaten entwickelt. Der Warbo Formant Orgel 1937 von Harald Bode in Deutschland entwickelt, war eine vierstimmige Tastenbelegungstastatur mit zwei Formantfiltern und einem dynamischen Hüllkurvencontroller. ^{[14] [15]}

Das 1939 erschienene Hammond Novachord von Hammond Novachord war ein elektronisches Keyboard, das zwölf Sätze von Oktavoszillatoren mit Oktavteilern verwendete, um mit einer Resonator-Filterbank und mit einem Resonator einen Sound zu erzeugen ein dynamischer Hüllkurvencontroller. In den drei Jahren, in denen Hammond dieses Modell herstellte, wurden 1.069 Einheiten ausgeliefert, die Produktion wurde jedoch zu Beginn des Zweiten Weltkriegs eingestellt. ^[16][17] Beide Instrumente waren die Vorläufer der späteren elektronischen Orgeln und polyphonen Synthesizer.

Monophone elektronische Keyboards [ edit ]

In den 1940er und 1950er Jahren, vor der Popularisierung elektronischer Orgeln und der Einführung von Combo-Orgeln, entwickelten die Hersteller verschiedene tragbare monophone elektronische Instrumente mit kleinen Keyboards . Diese kleinen Instrumente bestanden aus einem elektronischen Oszillator, Vibrato-Effekt und passiven Filtern. Die meisten wurden für konventionelle Ensembles konzipiert und nicht als experimentelle Instrumente für elektronische Musikstudios, sie trugen jedoch zur Entwicklung moderner Synthesizer bei. Zu diesen Instrumenten gehören Solovox, Multimonica, Ondioline und Clavioline. [19456562] Zitat erforderlich ]

Weitere Innovationen [

In den späten 1940er Jahren Der kanadische Erfinder und Komponist Hugh Le Caine erfand mit dem Electronic Sackbut ein spannungsgesteuertes elektronisches Musikinstrument, das die früheste Echtzeitsteuerung von drei Klangaspekten (Lautstärke, Tonhöhe und Klangfarbe) ermöglichte - entsprechend die heutigen berührungsempfindlichen Tastatur-, Tonhöhen- und Modulationsregler. Die Steuerungen wurden zunächst als mehrdimensionale Drucktastatur im Jahr 1945 implementiert und dann in eine Gruppe dedizierter Steuerungen umgewandelt, die 1948 von der linken Hand betätigt wurde. ^[18]

In Japan, as Bereits 1935 veröffentlichte Yamaha die Magna-Orgel ^[19] ein multi-timbrales Tasteninstrument, das auf elektrisch geblasenen Schilfblättern mit Tonabnehmern basierte. ^[20] Es ähnelt möglicherweise einem anderen elektrostatischen Schilforgel, dem Orgatron , von Frederick Albert Hoschke im Jahr 1934 entwickelt und dann von Everett und Wurlitzer bis 1961 hergestellt.

Im Jahr 1949 diskutierte der japanische Komponist Minao Shibata das Konzept eines "Musikinstrumentes mit sehr hoher Leistung", das "jede Art von Schallwellen synthetisieren kann" und "... sehr einfach zu bedienen" ist, was dies mit einem solchen Instrument voraussagt , "... wird die Musikszene drastisch verändert." ^{[ Neutralität ist umstritten ] [21][22]}

Elektronische Musikstudios als Klangsynthesizer [ edit ]]

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde von zeitgenössischen Komponisten elektronische Musik, darunter elektroakustische Musik und musique concrète, geschaffen, und zahlreiche Studios für elektronische Musik wurden weltweit gegründet, insbesondere in Köln, Paris und Mailand. Diese Studios waren in der Regel mit elektronischen Geräten einschließlich Oszillatoren, Filtern, Tonbandgeräten, Audiokonsolen usw. gefüllt, und das gesamte Studio fungierte als "Sound-Synthesizer".

Ursprung des Begriffs "Klangsynthesizer" [ edit ]

Das Patent von Thaddeus Cahill für sein elektromechanisches Instrument, das Telharmonium, von 1897 verwendet das Verb "synthesize" 25-mal, beispielsweise in der Satz "Zusammengesetzte elektrische Schwingungen aus den Grundtonschwingungen und den Obertonschwingungen zusammensetzen" (eine Beschreibung der Additivsynthese). ^[23] Thom Holmes betrachtet Cahill als den Begriff des Begriffs auf diesem Gebiet. ^[24]

In den Jahren 1951-1952 produzierte RCA eine Maschine mit dem Namen Electronic Music Synthesizer ; es handelt sich jedoch genauer um eine Kompositionsmaschine da sie keine Klänge in Echtzeit erzeugte. ^[25] RCA entwickelte dann den ersten programmierbaren Klangsynthesizer RCA Mark II Sound Synthesizer, ^[26] Prominente Komponisten wie Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Halim El-Dabh, Bülent Arel, Charles Wuorinen und Mario Davidovsky verwendeten den RCA-Synthesizer ausgiebig in verschiedenen Kompositionen 19659056] Vom modularen Synthesizer zur populären Musik [ edit ]

1959–1960 entwickelte Harald Bode einen modularen Synthesizer und Soundprozessor, ^[28][29] und 1961 schrieb er ein ^[30] Außerdem war er Vorsitzender der AES-Sitzung bei music and electronic für die Herbstkonventionen 1962 und 196 4. ^[31] Seine Ideen wurden von Donald Buchla und Robert Moog in den Vereinigten Staaten und von Paolo Ketoff ua (19459011) übernommen. in Italien ^[32][33][34] etwa zur gleichen Zeit: ^[35] unter diesen ist Moog als erster Synthesizer-Designer bekannt, der die -Spannungssteuerungstechnik in analogen elektronischen Musikinstrumenten populär machte. ^{[35] [35] [35]}

Eine Arbeitsgruppe im Roman Electronic Music Center, der Komponist Gino Marinuzzi Jr., der Designer Giuliano Strini, MSEE, und der Toningenieur und Techniker Paolo Ketoff in Italien; ihr Vakuumröhrenmodul "FonoSynth" war etwas älter als Moog und Buchla (1957–58). Später erstellte die Gruppe eine Solid-State-Version, das "Synket". Beide Geräte blieben Prototypen (außer einem Modell für John Eaton, das ein "Konzertstück für Synket und Orchester" schrieb), das nur von Marinuzzi besessen und verwendet wurde, insbesondere im Original-Soundtrack von Mario Bavas Sci-Fi-Film "Terrore nello spazio" ( aka Planet der Vampire, 1965) und a
RAI-TV-Miniserie, "Jeckyll". ^[32][33][34]

Robert Moog baute seinen ersten Prototyp zwischen 1963 und 1964 und wurde dann vom Alwin Nikolais Dance Theatre of NY (19659066) in Auftrag gegeben, während Donald Buchla von Morton Subotnick in Auftrag gegeben wurde. ^[38][39]
In den späten 1960er bis 1970er Jahren ermöglichte die Entwicklung miniaturisierter Festkörperkomponenten, dass Synthesizer zu eigenständigen, tragbaren Instrumenten wurden, wie von Harald Bode 1961 vorgeschlagen. In den frühen 1980er Jahren verkauften die Unternehmen kompakte, preisgünstige Synthesizer zur Öffentlichkeit. Zusammen mit der Entwicklung des Musical Instrument Digital Interface (MIDI) vereinfachte dies die Integration und Synchronisation von Synthesizern und anderen elektronischen Instrumenten zur Verwendung in der Musikkomposition. In den 1990er Jahren tauchten Synthesizer-Emulationen in Computersoftware auf, die als Softwaresynthesizer bekannt ist. Ab 1996 emulierten Steinbergs Plug-ins für die Virtual Studio Technology (VST) - und eine Vielzahl anderer Plug-In-Software, die alle auf PCs ausgeführt werden sollten - klassische Hardware-Synthesizer, die im Laufe des Jahres immer erfolgreicher wurden folgenden Jahrzehnten.

Der Synthesizer hatte einen erheblichen Einfluss auf die Musik des 20. Jahrhunderts. ^[40] Micky Dolenz von The Monkees kaufte einen der ersten Moog-Synthesizer. Die Band veröffentlichte als erste ein Album mit einem Moog mit Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. 1967 wurde ^[41] das Nummer eins-Album von Billboard. Ein paar Monate später enthielt der Titelsong des Doors-Albums 1967 Strange Days einen von Paul Beaver gespielten Moog. Wendy Carlos ' Switched-On Bach (1968), aufgenommen mit Moog-Synthesizern, beeinflusste auch zahlreiche Musiker dieser Epoche und ist neben den Platten (insbesondere 19659071) eine der beliebtesten Aufnahmen der klassischen Musik, die je gemacht wurde Schneeflocken tanzen von Isao Tomita, der Anfang der 70er Jahre Synthesizer verwendete, um neue künstliche Klänge zu erzeugen (anstatt nur echte Instrumente nachzuahmen ^[43]) und bedeutende Fortschritte bei der Programmierung von Analogsynthesizer gemacht hatte. ^[44]

Der Sound des Moog erreichte den Massenmarkt mit Simon und Garfunkels Bookends im Jahr 1968 und The Beatles Abbey Road im folgenden Jahr; Hunderte von anderen populären Aufnahmen verwendeten anschließend Synthesizer, am bekanntesten das tragbare Minimoog. Elektronische Musikalben von Beaver und Krause, Tontos Expanding Head Band, The United States of America und White Noise erreichten eine beachtliche ^{[ Klärung, die erforderlich war} ein Kultpublikum und progressive Rockmusiker wie Richard Wright von Pink Floyd und Rick Wakeman von Yes verwendeten bald die neuen tragbaren Synthesizer ausgiebig. Stevie Wonder und Herbie Hancock spielten auch eine wichtige Rolle bei der Popularisierung von Synthesizern in der schwarzen amerikanischen Musik. ^[45][46] Andere frühe Benutzer schlossen Emerson, Lake & Palmers Keith Emerson, Tony Banks von Genesis, Todd Rundgren, Pete Townshend und The Crazy World of Arthur mit ein Browns Vincent Crane. In Europa ist das erste Nein. Ein einziger Song, der einen Moog vorstellte, war der 1972 erschienene Hit "Son of My Father" von Chicory Tip. ^[47]

. 1974 veröffentlichte die Roland Corporation die EP-30, die erste berührungsempfindliche elektronische Tastatur. ^[48]

Polyphone Tastaturen und die digitale Revolution [ edit ]

Der Prophet-5-Synthesizer der späten 70er / frühen 1980er Jahre.

Im Jahr 1973 entwickelte Yamaha die Yamaha GX-1 , ein früher polyphones Synthesizer. ^[49] Es folgten weitere polyphone Synthesizer, die von Mitte der 70er bis Anfang der 80er Jahre hauptsächlich in Japan und den USA hergestellt wurden und die Saite RS-101 und RS-202 (1975 und 1976) der Roland Corporation enthielten Synthesizer, ^[50][51] die Yamaha CS-80 (1976), Oberheims Polyphonic und OB-X (1975 und 1979), Sequential Circuits 'Prophet-5 (1978) und Rolands Jupiter-4 und Jupiter-8 (1978 und 1981) . Der Erfolg des Prophet-5, eines polyphone und mikroprozessorgesteuerten Keyboard-Synthesizers, unterstützte die Verlagerung von Synthesizern weg von großen modularen Einheiten hin zu kleineren Tasteninstrumenten. ^[52] Dies half, die Integration von Synthesizern in die populäre Musik zu beschleunigen Der Minimoog und später die ARP Odyssey hatten einen starken Impuls gegeben. ^[53] Frühere polyphone elektronische Instrumente der 1970er Jahre, die in Saitensynthesizern wurzelten, bevor sie zu Multisynthesizern mit Monosynthesisten und mehr begannen, gerieten nach und nach in Ungnade neuere, polyphone Keyboard-Synthesizer, die dem Keyboard zugewiesen wurden. ^[54]

. ^[55] Yamaha lizenzierte 1973 die Algorithmen für den ersten digitalen Synthesealgorithmus, die Frequenzmodulationssynthese (FM-Synthese) von John Chowning. der seit 1971 damit experimentierte. ^[56] Die Ingenieure von Yamaha begannen, den Algorithmus von Chowning für die Verwendung in einem kommerziellen Digitalsynthesizer anzupassen Verbesserungen wie die "Key-Scaling" -Methode, um die Einführung von Verzerrungen zu vermeiden, die normalerweise in analogen Systemen während der Frequenzmodulation auftreten. ^[57] In den 70er Jahren erhielt Yamaha eine Reihe von Patenten, die Chownings frühe Arbeiten zur FM-Synthesetechnologie entwickelten. ^[57] 19659090] Yamaha baute 1974 den ersten Prototyp eines digitalen Synthesizers. ^[55] Yamaha kommerzialisierte schließlich die FM-Synthesetechnologie mit dem Yamaha GS-1, dem ersten digitalen FM-Synthesizer, der 1980 veröffentlicht wurde. ^[59] Der erste kommerzielle Digitalsynthesizer, der ein Jahr zuvor veröffentlicht wurde , The Casio VL-1, ^[60] veröffentlicht 1979. ^[61]

Ende der 70er Jahre waren digitale Synthesizer und Sampler auf den Märkten der Welt aufgetaucht. ^{[note 1]} Verglichen mit analogen Synthesizer-Sounds wurden die digitalen Klänge von produziert Diese neuen Instrumente tendierten zu einer Reihe unterschiedlicher Eigenschaften: klare Attack- und Soundkonturen, das Tragen von Sounds, reiche Obertöne mit unharmonischem Inhalt und komplexe Bewegungen der Soundtextur s unter anderem. Während diese neuen Instrumente teuer waren, führten Musiker aufgrund dieser Eigenschaften zu einer schnellen Akzeptanz, insbesondere in Großbritannien ^[62] und den Vereinigten Staaten. Dies ermutigte den Trend zur Musikproduktion mit digitalen Klängen ^{[note 2]} und legte den Grundstein für die Entwicklung der preiswerten digitalen Instrumente, die im nächsten Jahrzehnt populär sind. Zu den relativ erfolgreichen Instrumenten, von denen jedes mehr als mehrere hundert Einheiten pro Serie verkaufte, gehörten das NED Synclavier (1977), Fairlight CMI (1979), E-mu Emulator (1981) und PPG Wave (1981). ^{[note 1][62][63][64][65]}

Yamahas digitaler DX7-Synthesizer ^[55] durchsuchte die populäre Musik und führte in den 1980er Jahren zur Einführung und Entwicklung digitaler Synthesizer in vielen verschiedenen Formen und zum rapiden Verfall der analogen Synthesizer-Technologie. 1987 erschien der Roland D-50-Synthesizer von Roland, der die bereits existierende sample-basierte Synthese ^{[note 3]} und die digitalen Onboard-Effekte kombinierte ^[66] während Korgs noch populärerer M1 (1988) nun auch die Ära des Workstation-Synthesizers ankündigte , basierend auf ROM-Sample-Sounds zum Komponieren und Sequenzieren ganzer Songs und nicht nur der traditionellen Klangsynthese. ^[67]

Die Clavia-Nord-Lead-Serie wurde 1995 veröffentlicht.

In den 1990er Jahren wurde die Popularität elektronischer Tanzmusik mit analogen Klängen, wie z Das Auftreten digitaler Analog-Modeling-Synthesizer zur Wiedergabe dieser Klänge und die Entwicklung des modular aufgebauten Eurorack-Synthesizersystems, das ursprünglich mit dem Doepfer A-100 eingeführt wurde und seitdem von anderen Herstellern übernommen wurde, trugen alle zum Wiederaufleben des Interesses an der analogen Technologie bei. Die Jahrhundertwende erlebte auch Verbesserungen in der Technologie, die zur Popularität digitaler Softwaresynthesizer führten. ^[68] In den 2010er Jahren wurden neue analoge Synthesizer sowohl als Tasteninstrument als auch als modulare Form neben aktuellen digitalen Hardware-Instrumenten veröffentlicht. ^[69] 2016 kündigte Korg den Korg Minilogue an, den ersten in Serie produzierten polyphonen analogen Synthesizer seit Jahrzehnten.

Auswirkungen auf die Popmusik [ edit ]

Dieser Abschnitt muss erweitert werden . Sie können helfen, indem Sie etwas hinzufügen. ( August 2014 )

Laut Fact : "Der Synthesizer ist ebenso wichtig und allgegenwärtig, in der Moderne Musik heute als menschliche Stimme. "^[70] Es ist eines der wichtigsten Instrumente in der Musikindustrie. 19459183 [71]

In den 70er Jahren traten Komponisten der elektronischen Musik wie Jean Michel Jarre [19659113] Vangelis ^[73] und Isao Tomita ^[44][43][74] veröffentlichten erfolgreiche, von Synthesizern geführte Instrumentalalben. Im Laufe der Zeit beeinflusste dies die Entstehung von Synthpop, einem Subgenre der neuen Welle, von den späten 70ern bis in die frühen 80er Jahre. Die Arbeit deutscher Krautrock-Bands wie Kraftwerk ^[75] und Tangerine Dream, britische Acts wie John Foxx, Gary Numan und David Bowie, afroamerikanische Acts wie George Clinton und Zapp und japanische elektronische Acts wie Yellow Magic Orchestra und Kitaro, waren einflussreich für die Entwicklung des Genres. ^[71] Gary Numans Hits von 1979 "Are 'Friends' Electric?" und "Cars" benutzten Synthesizer stark. ^[76][77] OMDs "Enola Gay" (1980) verwendete unverwechselbare elektronische Percussion und eine synthetisierte Melodie. Soft Cell verwendete eine synthetisierte Melodie für ihren 1981er Hit "Tainted Love". ^[71] Nick Rhodes, Keyboarder von Duran Duran, verwendete verschiedene Synthesizer, darunter den Roland Jupiter-4 und den Jupiter-8. ^{[78] [78] 19659003] Zu den Chart-Hits zählen Depeche Modes "Just Can Not Enough" (1981), [71] "Human Doctors Do Don't Me Me" (19659122) und Giorgio Moroders Take My Breath Away (1986) für Berlin. Andere bemerkenswerte Synthpop-Gruppen schlossen New Order, [80] Visage, Japan, Männer ohne Hut, Ultravox, [71] Spandau Ballet, Kulturclub, Eurythmics, Yazoo, Thompson Twins, Eine Herde Möwen, Heaven 17, Erasure, Soft Cell ein, Pet Shop Boys, Bronski Beat, Kajagoogoo, ABC, Naked Eyes, Devo und die frühe Arbeit von Tears for Fears und Talk Talk.
Giorgio Moroder, Brian Eno, Phil Collins, Howard Jones, Stevie Wonder, Peter Gabriel, Thomas Dolby, Kate Bush, Enya, Mike Oldfield, Dónal Lunny, Frank Zappa und Todd Rundgren verwendeten alle Synthesizer.}

Klangsynthese [ edit ]

Die Additivsynthese wurde bereits auf Teleharmonium in den 1900er Jahren und auf der Hammond-Orgel in den 1930er Jahren eingesetzt ] erzeugt Sounds, indem Wellenformen zu einem zusammengesetzten Sound zusammengefügt werden. Instrumentenklänge werden simuliert, indem ihre natürliche harmonische Obertonstruktur abgeglichen wird. Frühe analoge Beispiele für additive Synthesizer sind das Teleharmonium-, Hammond-Orgel und Synclavier.

Die subtraktive Synthese basiert auf der Filterung von harmonisch reichen Wellenformen. Es ist in frühen monophonen Keyboard-Synthesizern wie dem MINI Moog Moog-Synthesizer implementiert. Das Signalrouting oder Patching war normalerweise sehr begrenzt und folgte einem normalisierten Pfad, wie hier beschrieben. Subtraktive Synthesizer approximieren Instrumentalklänge durch einen Oszillator (der Sägezahnwellen, Rechteckwellen usw. erzeugt), gefolgt von einem Filter, gefolgt von einem Verstärker, der von einem ADSR gesteuert wird. Die Kombination aus einfachen Modulationsroutings (wie Pulsweitenmodulation und Oszillatorsynchronisation) zusammen mit dem Tiefpassfilter ist für den "klassischen Synthesizer" -Klang verantwortlich, der üblicherweise mit "analoger Synthese" verbunden ist.

Die FM-Synthese war in den ersten digitalen Synthesizern äußerst erfolgreich.

Die FM-Synthese (Frequenzmodulationssynthese) ist ein Verfahren, bei dem üblicherweise mindestens zwei Signalgeneratoren (üblicherweise Sinusoszillatoren) verwendet werden (nur "Operatoren" in FM-only Synthesizern), um eine Stimme zu erstellen und zu ändern. Dies geschieht häufig durch analoge oder digitale Erzeugung eines Signals, das die Ton- und Amplitudencharakteristika eines Basisträgersignals moduliert. Die FM-Synthese wurde von John Chowning, ^[81] entwickelt, der die Idee patentierte und an Yamaha verkaufte. Im Gegensatz zu der exponentiellen Beziehung zwischen Spannung in Frequenz aus und mehreren Wellenformen in klassischen Oszillatoren mit 1 Volt pro Oktave Synthesizer verwendet die FM-Synthese nach Chowning-Art eine lineare Spannung in Frequenz und eine Sinus-Frequenz-Beziehung. Wellenoszillatoren. Die resultierende komplexe Wellenform kann viele Komponentenfrequenzen haben, und es ist nicht erforderlich, dass sie alle eine harmonische Beziehung haben. Anspruchsvolle FM-Synthesizer wie die Yamaha DX7-Serie können 6 Operatoren pro Stimme haben. Einige Synthesizer mit UKW können auch Filter und variable Verstärkertypen verwenden, um die Eigenschaften des Signals in eine akustische Stimme umzuwandeln, die akustische Instrumente entweder grob nachahmt oder einzigartige Klänge erzeugt. Die FM-Synthese ist besonders wertvoll für metallische oder clangore Geräusche wie Glocken, Becken oder andere Perkussion.

Die Phasenverzerrungssynthese ist eine auf Casio CZ-Synthesizern implementierte Methode. Es ersetzt die traditionelle analoge Wellenform durch die Wahl mehrerer digitaler Wellenformen, die komplexer sind als die üblichen Rechteck-, Sinus- und Sägezahnwellen. Diese Wellenform wird zu einem digitalen Filter und einem digitalen Verstärker geleitet, die jeweils durch eine achtstufige Hüllkurve moduliert werden. Der Klang kann dann mit Ringmodulation oder Rauschmodulation weiter modifiziert werden. ^[82]

Physikalische Modellierungssynthese ist die Synthese von Klang, indem ein Satz von Gleichungen und Algorithmen verwendet wird, um jede Klangcharakteristik eines Instruments zu simulieren, beginnend mit den Oberschwingungen Stellen Sie den Klang selbst zusammen und fügen Sie den Klang des Resonators, des Instrumentenkörpers usw. hinzu, bis der Klang dem gewünschten Instrument realistisch entspricht. Wenn ein anfänglicher Parametersatz die physikalische Simulation durchläuft, wird der simulierte Klang erzeugt. Obwohl physikalische Modellierung kein neues Konzept für Akustik und Synthese war, wurden kommerzielle Implementierungen erst mit der Entwicklung des Karplus-Strong-Algorithmus und der Erhöhung der DSP-Leistung in den späten achtziger Jahren möglich. Die Qualität und Geschwindigkeit der physischen Modellierung auf Computern verbessert sich mit höherer Rechenleistung.

Auf dem Vocoder wird typischerweise eine Analyse / Resynthese verwendet.

Die samplebasierte Synthese kann momentan eine der beliebtesten Methoden sein.

Bei der sample-basierten Synthese wird ein Kurzschluss aufgezeichnet Tonausschnitte von einem echten Instrument oder einer anderen Quelle und dann mit verschiedenen Geschwindigkeiten wiedergeben, um unterschiedliche Tonhöhen zu erzeugen. Ein Sample kann als One-Shot-Effekt gespielt werden, der häufig für Perkussions- oder kurze Sounds verwendet wird, oder er kann in einer Schleife abgespielt werden, wodurch der Ton gehalten oder wiederholt werden kann, solange die Note gehalten wird. Sampler enthalten normalerweise einen Filter, Hüllkurvengeneratoren und andere Steuerelemente zur weiteren Bearbeitung des Sounds. Virtuelle Sampler, die die Samples auf einer Festplatte speichern, ermöglichen den Zugriff auf die Sounds eines gesamten Orchesters, einschließlich mehrerer Artikulationen jedes Instruments, aus einer Sample-Library. Siehe auch Wavetable-Synthese, Vektorsynthese.

Analyse / Resynthese ist eine Form der Synthese, bei der eine Reihe von Bandpassfiltern oder Fourier-Transformationen zur Analyse des harmonischen Inhalts eines Klanges verwendet werden. Die Ergebnisse werden dann verwendet, um den Klang unter Verwendung einer Oszillatorbande neu zu synthetisieren . Der Vocoder, die lineare prädiktive Codierung und einige Formen der Sprachsynthese basieren auf Analyse / Resynthese.

Imitative Synthese [ edit ]

Die Klangsynthese kann zur Nachahmung akustischer Schallquellen verwendet werden. Im Allgemeinen umfasst ein Klang, der sich im Laufe der Zeit nicht ändert, einen fundamentalen Part oder eine Harmonische sowie eine beliebige Anzahl von Partials. Die Synthese kann versuchen, die Amplitude und die Tonhöhe der Teiltöne einer akustischen Schallquelle nachzuahmen.

Bei der Analyse natürlicher Klänge im Frequenzbereich (wie bei einem Spektrumanalysator) zeigen die Spektren ihrer Klänge Amplitudenspitzen an jeder Oberwelle des Grundtons, die den Resonanzeigenschaften der Instrumente entsprechen (spektrale Peaks, auf die auch hingewiesen wird) als Formanten). Einige Obertöne können höhere Amplituden als andere haben. Der spezifische Satz von Harmonic-vs-Amplitude-Paaren wird als harmonischer Inhalt eines Sounds bezeichnet. Ein synthetisierter Ton erfordert eine genaue Wiedergabe des Originaltons sowohl im Frequenzbereich als auch im Zeitbereich. Ein Sound hat während der gesamten Sounddauer nicht unbedingt denselben harmonischen Inhalt. Hochfrequente Harmonische sterben normalerweise schneller ab als die unteren Harmonischen.

In den meisten konventionellen Synthesizern bestehen Aufnahmen von realen Instrumenten zum Zweck der Resynthese aus mehreren Komponenten, die die akustischen Reaktionen verschiedener Teile des Instruments, die vom Instrument während der verschiedenen Teile einer Performance erzeugten Klänge darstellen Verhalten des Instruments unter verschiedenen Spielbedingungen (Tonhöhe, Spielintensität, Fingersatz usw.)

Components [ edit ]

Grundkomponenten eines analogen subtraktiven Synthesizers

Synthesizer erzeugen Klang durch verschiedene analoge und digitale Techniken. Frühe Synthesizer basierten auf analoger Hardware, aber viele moderne Synthesizer verwenden eine Kombination aus DSP-Software und -Hardware oder sind rein softwarebasiert (siehe Softsynth). Digitale Synthesizer simulieren häufig klassische analoge Designs. Der Ton kann vom Bediener mit Hilfe von Schaltungen oder virtuellen Stufen gesteuert werden, die Folgendes umfassen können:

• Elektronische Oszillatoren - erzeugen rohe Sounds mit einer Klangfarbe, die von der erzeugten Wellenform abhängt. Es können spannungsgesteuerte Oszillatoren (VCOs) und digitale Oszillatoren verwendet werden. Harmonic additive Synthesemodelle klingen direkt aus reinen Sinuswellen, etwas wie ein Organ, während Frequenzmodulation und die Phasenverzerrung einen Oszillator verwendet, um einen anderen zu modulieren . Die subtraktive Synthese hängt vom Filtern einer harmonisch reichen Oszillatorwellenform ab. Sample-basierte und granulare Synthese verwenden einen oder mehrere digital aufgezeichnete Klänge anstelle eines Oszillators.


• Niederfrequenzoszillator (LFO) - ein Oszillator mit einstellbarer Frequenz kann verwendet werden, um den Klang rhythmisch zu modulieren, z. B. um Tremolo oder Vibrato zu erstellen oder die Betriebsfrequenz eines Filters zu steuern. LFOs werden in den meisten Formen der Synthese verwendet.


• Spannungsgesteuerter Filter (VCF) - "formt" den von den Oszillatoren erzeugten Klang im Frequenzbereich, häufig unter der Kontrolle einer Hüllkurve oder eines LFO. Diese sind für die -subtraktive -Synthese wesentlich.


• ADSR Hüllkurven - Hüllkurvenmodulation um das Volumen oder den harmonischen Inhalt der erzeugten Note im Zeitbereich mit der "zu gestalten" Hauptparameter sind Attack, Decay, Sustain und Release. Diese werden in den meisten Syntheseformen verwendet. Die ADSR-Steuerung wird von Hüllkurvengeneratoren bereitgestellt.


• Spannungsgesteuerter Verstärker (VCA) - Nachdem das von einem (oder einer Mischung aus mehreren) VCOs erzeugte Signal durch Filter und LFOs modifiziert wurde, und seine Wellenform wurde durch einen ADSR-Hüllkurvengenerator geformt (konturiert), dann wird sie an einen oder mehrere spannungsgesteuerte Verstärker (VCAs) weitergeleitet. A VCA is a preamp that boosts (amplifies) the electronic signal before passing it on to an external or built-in power amplifier, as well as a means to control its amplitude (volume) using an attenuator. The gain of the VCA is affected by a control voltage (CV), coming from an envelope generator, an LFO, the keyboard or some other source.^[83]


• Other sound processing effects units such as ring modulators and fuzz bass pedals may be encountered.

Filter[edit]

Various filter modes.

Electronic filters are particularly important in subtractive synthesis, being designed to pass some frequency regions through unattenuated while significantly attenuating ("subtracting") others. The low-pass filter is most frequently used, but band-pass filters, band-reject filters and high-pass filters are also sometimes available.

The filter may be controlled with a second ADSR envelope. An "envelope modulation" ("env mod") parameter on many synthesizers with filter envelopes determines how much the envelope affects the filter. If turned all the way down, the filter produces a flat sound with no envelope. When turned up the envelope becomes more noticeable, expanding the minimum and maximum range of the filter.

Envelope[edit]

Many synthesizers use an envelope generator to control how sounds change over time. An envelope may control elements such as amplitude (volume), a filter (frequencies), or pitch. The most common envelope is the ADSR (Attack, Decay, Sustain, Release) envelope:^[84]

• Attack time is the time taken for initial run-up of level from nil to peak, beginning when the key is first pressed.


• Decay time is the time taken for the subsequent run down from the attack level to the designated sustain level.


• Sustain level is the level during the main sequence of the sound's duration, until the key is released.


• Release time is the time taken for the level to decay from the sustain level to zero after the key is released.

The "attack" and "decay" of a sound have a great effect on the instrument's sonic character.^[85]

LFO[edit]

A low-frequency oscillator (LFO) generates an electronic signal, usually below 20 Hz. LFO signals create a periodic control signal or sweep, often used in vibrato, tremolo and other effects. In certain genres of electronic music, the LFO signal can control the cutoff frequency of a VCF to make a rhythmic wah-wah sound, or the signature dubstep wobble bass.

Arpeggiator[edit]

An arpeggiator (arp) is a feature available on several synthesizers that automatically steps through a sequence of notes based on an input chord, thus creating an arpeggio. The notes can often be transmitted to a MIDI sequencer for recording and further editing. An arpeggiator may have controls for speed, range, and order in which the notes play; upwards, downwards, or in a random order. More advanced arpeggiators allow the user to step through a pre-programmed complex sequence of notes, or play several arpeggios at once. Some allow a pattern sustained after releasing keys: in this way, a sequence of arpeggio patterns may be built up over time by pressing several keys one after the other. Arpeggiators are also commonly found in software sequencers. Some arpeggiators/sequencers expand features into a full phrase sequencer, which allows the user to trigger complex, multi-track blocks of sequenced data from a keyboard or input device, typically synchronized with the tempo of the master clock.

^{[verification needed]}

Arpeggiators seem to have grown from the accompaniment system used in electronic organs in the mid-1960s to the mid-1970s.^[86] They were also commonly fitted to keyboard instruments through the late 1970s and early 1980s. Notable examples are the RMI Harmonic Synthesizer (1974),^[87]Roland Jupiter-8, Oberheim OB-8, Roland SH-101, Sequential Circuits Six-Trak and Korg Polysix. A famous example can be heard on Duran Duran's song "Rio", in which the arpeggiator on a Roland Jupiter-4 plays a C minor chord in random mode. They fell out of favor by the latter part of the 1980s and early 1990s and were absent from the most popular synthesizers of the period but a resurgence of interest in analog synthesizers during the 1990s, and the use of rapid-fire arpeggios in several popular dance hits, brought with it a resurgence.

A synthesizer patch (some manufacturers chose the term program) is a sound setting. Modular synthesizers used cables ("patch cords") to connect the different sound modules together. Since these machines had no memory to save settings, musicians wrote down the locations of the patch cables and knob positions on a "patch sheet" (which usually showed a diagram of the synthesizer). Ever since, an overall sound setting for any type of synthesizer has been referred to as a patch.

In mid–late 1970s, patch memory (allowing storage and loading of 'patches' or 'programs') began to appear in synths like the Oberheim Four-voice (1975/1976)^[88] and Sequential Circuits Prophet-5 (1977/1978). After MIDI was introduced in 1983, more and more synthesizers could import or export patches via MIDI SYSEX commands. When a synthesizer patch is uploaded to a personal computer that has patch editing software installed, the user can alter the parameters of the patch and download it back to the synthesizer. Because there is no standard patch language, it is rare that a patch generated on one synthesizer can be used on a different model. However, sometimes manufacturers design a family of synthesizers to be compatible.

Korg Triton rack-mountable sound module.

A synth module is a standalone unit which synthesizes sounds using electronic or digital circuits. A synth module does not typically have a built-in MIDI controller such as a musical keyboard. As such, to play the sounds from a sound module using MIDI, a MIDI controller such as a MIDI-compatible keyboard or other device has to be used. Some synth modules are the sound synthesis components from an integrated synthesizer keyboard, packaged into a rackmountable unit.

Control interfaces[edit]

Non-contact interface (AirFX)

Pitch & mod. wheels and touchpad

Drum pad

Modern synthesizers often look like small pianos, though with many additional knob and button controls. These are integrated controllers, where the sound synthesis electronics are integrated into the same package as the controller. However, many early synthesizers were modular and keyboardless, while most modern synthesizers may be controlled via MIDI, allowing other means of playing such as:

Fingerboard controller[edit]

Fingerboard
on Korg monotron

Ribbon controller
on Moog 3P (1972)

A ribbon controller or other violin-like user interface may be used to control synthesizer parameters. The idea dates to Léon Theremin's 1922 first concept^[89] and his 1932 Fingerboard Theremin and Keyboard Theremin,^[90][91]  Maurice Martenot's 1928 Ondes Martenot (sliding a metal ring),^[92]  Friedrich Trautwein's 1929 Trautonium (finger pressure), and was also later utilized by Robert Moog.^[93][94][95] The ribbon controller has no moving parts. Instead, a finger pressed down and moved along it creates an electrical contact at some point along a pair of thin, flexible longitudinal strips whose electric potential varies from one end to the other. Older fingerboards used a long wire pressed to a resistive plate. A ribbon controller is similar to a touchpad, but a ribbon controller only registers linear motion. Although it may be used to operate any parameter that is affected by control voltages, a ribbon controller is most commonly associated with pitch bending.

Fingerboard-controlled instruments include the Trautonium (1929), Hellertion (1929) and Heliophon (1936),^[96][97][98]Electro-Theremin (Tannerin, late 1950s), Persephone (2004), and the Swarmatron (2004). A ribbon controller is used as an additional controller in the Yamaha CS-80 and CS-60, the Korg Prophecy and Korg Trinity series, the Kurzweil synthesizers, Moog synthesizers, and others.

Rock musician Keith Emerson used it with the Moog modular synthesizer from 1970 onward. In the late 1980s, keyboards in the synth lab at Berklee College of Music were equipped with membrane thin ribbon style controllers that output MIDI. They functioned as MIDI managers, with their programming language printed on their surface, and as expression/performance tools. Designed by Jeff Tripp of Perfect Fretworks Co., they were known as Tripp Strips. Such ribbon controllers can serve as a main MIDI controller instead of a keyboard, as with the Continuum instrument.

Wind controllers[edit]

Wind controller

Accordion synthesizer

Wind controllers (and wind synthesizers) are convenient for woodwind and brass players, being designed to imitate those instruments. These are usually either analog or MIDI controllers, and sometimes include their own built-in sound modules (synthesizers). In addition to the follow of key arrangements and fingering, the controllers have breath-operated pressure transducers, and may have gate extractors, velocity sensors, and bite sensors. Saxophone-style controllers have included the Lyricon, and products by Yamaha, Akai, and Casio. The mouthpieces range from alto clarinet to alto saxophone sizes. The Eigenharp, a controller similar in style to a bassoon, was released by Eigenlabs in 2009. Melodica and recorder-style controllers have included the Martinetta (1975)^[99] and Variophon (1980),^[100] and Josef Zawinul's custom Korg Pepe.^[101] A harmonica-style interface was the Millionizer 2000 (c. 1983).^[102]

Trumpet-style controllers have included products by Steiner/Crumar/Akai, Yamaha, and Morrison. Breath controllers can also be used to control conventional synthesizers, e.g. the Crumar Steiner Masters Touch,^[103]Yamaha Breath Controller and compatible products.^[104] Several controllers also provide breath-like articulation capabilities.^{[clarification needed]}

Accordion controllers use pressure transducers on bellows for articulation.

Others[edit]

Other controllers include theremin, lightbeam controllers, touch buttons (touche d’intensité) on the ondes Martenot, and various types of foot pedals. Envelope following systems, the most sophisticated being the vocoder, are controlled by the power or amplitude of input audio signal. A musician uses the talk box to manipulate sound using the vocal tract, though it is rarely categorized as a synthesizer.

MIDI control[edit]

Synthesizers became easier to integrate and synchronize with other electronic instruments and controllers with the introduction of Musical Instrument Digital Interface (MIDI) in 1983.^[105] First proposed in 1981 by engineer Dave Smith of Sequential Circuits, the MIDI standard was developed by a consortium now known as the MIDI Manufacturers Association.^[106] MIDI is an opto-isolated serial interface and communication protocol.^[106] It provides for the transmission from one device or instrument to another of real-time performance data. This data includes note events, commands for the selection of instrument presets (i.e. sounds, or programs or patches, previously stored in the instrument's memory), the control of performance-related parameters such as volume, effects levels and the like, as well as synchronization, transport control and other types of data. MIDI interfaces are now almost ubiquitous on music equipment and are commonly available on personal computers (PCs).^[106]

The General MIDI (GM) software standard was devised in 1991 to serve as a consistent way of describing a set of over 200 sounds (including percussion) available to a PC for playback of musical scores.^[107] For the first time, a given MIDI preset consistently produced a specific instrumental sound on any GM-compatible device. The Standard MIDI File (SMF) format (extension .mid) combined MIDI events with delta times – a form of time-stamping – and became a popular standard for exchanging music scores between computers. In the case of SMF playback using integrated synthesizers (as in computers and cell phones), the hardware component of the MIDI interface design is often unneeded.

Open Sound Control (OSC) is another music data specification designed for online networking. In contrast with MIDI, OSC allows thousands of synthesizers or computers to share music performance data over the Internet in realtime.

Recent trends in synthesizer design, particularly the resurgence of modular systems in eurorack, have allowed for a hybrid of MIDI control and control voltage i/o to be found together in many models. (Examples being the Moog Model D reissue, which was enhanced from its original design to offer both MIDI i/o and CV i/o). In these models of MIDI/CV hybrids, it is often possible to send and receive control voltages to control parameters of equipment at the identical time MIDI messages are being sent and received.

Additional examples of MIDI/CV hybrids include models like the Arturia Minibrute, which is able to receive MIDI messages from an external controller and automatically convert the MIDI signal into gate and pitch notes, which it can then send out as control voltage.

Typical roles[edit]

Synth lead

Synth lead[edit]

In popular music, a synth lead is generally used for playing the main melody of a song, but it is also often used for creating rhythmic or bass effects. Although most commonly heard in electronic dance music, synth leads have been used extensively in hip-hop music since the 1980s and some types of rock songs since the 1970s. Many post-1980s pop music songs use a synth lead to provide a musical hook to sustain the listener's interest throughout a song.

Synth pad[edit]

A synth pad is a sustained chord or tone generated by a synthesizer, often employed for background harmony and atmosphere in much the same fashion that a string section is often used in orchestral music and film scores. Typically, a synth pad is performed using whole notes, which are often tied over bar lines. A synth pad sometimes holds the same note while a lead voice sings or plays an entire musical phrase or section. Often, the sounds used for synth pads have a vaguely organ, string, or vocal timbre. During the late 1970s and 1980s, specialized string synthesizers were made that specialized in creating string sounds using the limited technology of the time. Much popular music in the 1980s employed synth pads, this being the time of polyphonic synthesizers, as did the then-new styles of smooth jazz and new-age music. One of many well-known songs from the era to incorporate a synth pad is "West End Girls" by the Pet Shop Boys, who were noted users of the technique.

The main feature of a synth pad is very long attack and decay time with extended sustains. In some instances pulse-width modulation (PWM) using a square wave oscillator can be added to create a "vibrating" sound.

Synth bass[edit]

Moog Taurus pedal bass synth

Synth bass An example of a classic analog bass synthesizer sound. Four sawtooth bass filter sweeps with gradually increasing resonance.

The bass synthesizer (or "bass synth") is used to create sounds in the bass range, from simulations of the electric bass or double bass to distorted, buzz-saw-like artificial bass sounds, by generating and combining signals of different frequencies. Bass synth patches may incorporate a range of sounds and tones, including wavetable-style, analog, and FM-style bass sounds, delay effects, distortion effects, envelope filters. A modern digital synthesizer uses a frequency synthesizer microprocessor component to generate signals of different frequencies. While most bass synths are controlled by electronic keyboards or pedalboards, some performers use an electric bass with MIDI pickups to trigger a bass synthesizer.

In the 1970s miniaturized solid-state components allowed self-contained, portable instruments such as the Moog Taurus, a 13-note pedal keyboard played by the feet. The Moog Taurus was used in live performances by a range of pop, rock, and blues-rock bands. An early use of bass synthesizer was in 1972, on a solo album by John Entwistle (the bassist for The Who), entitled Whistle Rymes. Genesis bass player Mike Rutherford used a Dewtron "Mister Bassman" for the recording of their album Nursery Cryme in August 1971. Stevie Wonder introduced synth bass to a pop audience in the early 1970s, notably on "Superstition" (1972) and "Boogie On Reggae Woman" (1974). In 1977 Parliament's funk single "Flash Light" used the bass synthesizer. Lou Reed, widely considered a pioneer of electric guitar textures, played bass synthesizer on the song "Families", from his 1979 album The Bells.

Following the availability of programmable music sequencers such as the Synclavier and Roland MC-8 Microcomposer in the late 1970s, bass synths began incorporating sequencers in the early 1980s. The first bass synthesizer with a sequencer was the Firstman SQ-01.^[109][110] It was originally released in 1980 by Hillwood/Firstman, a Japanese synthesizer company founded in 1972 by Kazuo Morioka (who later worked for Akai in the early 1980s), and was then released by Multivox for North America in 1981.^{[111][112][51]}

A particularly influential bass synthesizer was the Roland TB-303.^[113] Released in late 1981, it featured a built-in sequencer and later became strongly associated with acid house music.^[114] Bass synthesizers began being used to create highly syncopated rhythms and complex, rapid basslines. Bass synth patches incorporate a range of sounds and tones, including wavetable-style, analog, and FM-style bass sounds, delay effects, distortion effects, envelope filters. In popular music, these techniques gained wide popularity with the emergence of acid house music, after Phuture's use of the TB-303 for the single "Acid Tracks" in 1987,^[113] though such techniques were predated by Charanjit Singh's use of the TB-303 in 1982.^[114]

In the 2000s, several equipment manufacturers such as Boss and Akai produced bass synthesizer effect pedals for electric bass guitar players, which simulate the sound of an analog or digital bass synth. With these devices, a bass guitar is used to generate synth bass sounds. The BOSS SYB-3 was one of the early bass synthesizer pedals. The SYB-3 reproduces sounds of analog synthesizers with Digital Signal Processing saw, square, and pulse synth waves and user-adjustable filter cutoff. The Akai bass synth pedal contains a four-oscillator synthesizer with user selectable parameters (attack, decay, envelope depth, dynamics, cutoff, resonance). Bass synthesizer software allows performers to use MIDI to integrate the bass sounds with other synthesizers or drum machines. Bass synthesizers often provide samples from vintage 1970s and 1980s bass synths. Some bass synths are built into an organ style pedalboard or button board.

Controversy[edit]

Since their invention, there has been concern over synthesizers putting session musicians out of a job, since they can recreate the sounds of many instruments. Some musicians (especially keyboardists) viewed the synth as they would any musical instrument. Other musicians viewed the synth as a threat to traditional session musicians, and the British Musicians' Union attempted to ban it in 1982. The ban never became official policy.^[115]Broadway plays are also now using synthesizers to reduce the number of live musicians required.^[116]

See also[edit]

Lists

Various synthesizers

Related instruments & technologies

Components & technologies

Music genres

Notable works

1. ^ ^{a b} List of commercially successful early digital synthesizers and digital samplers introduced during the late-1970s and early-1980s, each sold over several hundred of units per series:
   
   
   • NED Synclavier (1977–1992) by New England Digital, based on the research of Dartmouth Digital Synthesizer since 1973.
     Note: Several sources point out that FM synthesis of Synclavier was licensed from Yamaha, who was an exclusively licensed from the original inventor, John Chowning.
   
   
   • Fairlight CMI (1979–1988, over 300 units) in Sydney, based on the early developments of Qasar M8 by Tony Furse in Canberra since 1972.
   
   
   • Yamaha GS-1, GS-2 (1980, around 100 units) and CE20, CE25 (1982) in Hamamatsu, based on research into frequency modulation synthesis by John Chowning between 1967–1973, and early developments of TRX-100 and Programmable Algorithm Music Synthesizer (PAMS) by Yamaha between 1973–1979.(Yamaha 2014)
   
   
   • E-mu Emulator (1981-2000s) in California, roughly based on a notion of table-lookup oscillator seen on the MUSIC language in 1960s
   
   
   • PPG Wave (1981–1987, around 1,000 units) in Hamburg, based on wavetable synthesis previously implemented on PPG Wavecomputer 360340 and 380 circa 1978.
   etc. Most products listed above are still sold in the 21st century, e.g. Yamaha DX200 in 2001, E-mu Emulator X in 2009, Fairlight CMI 30A in 2011, and Waldorf's wavetable synthesis products as the reincarnations of PPG Wave.
   In addition, the long history of additive synthesis is notable for providing fundamental research that underlies the technology used in various forms of digital synthesis, but is not listed above due to the lack of commercially successful products. Additive synthesis has influenced most products in list above, and even the Yamaha Vocaloid released in 2003 (Excitation plus Resonance (EpR), which is based on Spectral modeling synthesis (SMS)).
   


2. ^
   For the details of the new trend of music influenced by early digital instruments, see Fairlight§Artists who used the Fairlight CMI, Synclavier§Notable users and E-mu Emulator§Notable users.
   


3. ^
   Sample-based synthesis was previously introduced by the E-mu Emulator II in 1984, Ensoniq Mirage in 1985, Ensoniq ESQ-1 and Korg DSS-1 in 1986, etc.
   

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External links[edit]

Look up synthesizer in Wiktionary, the free dictionary.